Aprender un arte en línea. Las escuelas de música online en 2022.

Escuelas de música online.

La educación a distancia. Una posibilidad en 2022.

Desde la llegada de las nuevas tecnologías, el sistema educativo ha migrado parcial y progresivamente al internet, sin embargo las escuelas de música online demoraron más que el resto en hacerlo. Por la naturaleza de la materia, el aprendizaje a distancia no fue una realidad sino hasta hace poco tiempo.

Tener un podcast en una plataforma de streaming.

Con el avance del internet, universidades de alto nivel en todo el mundo adecuaron sus planes de estudio a la modalidad virtual. La oferta académica contemplaba desde cursos de especialización y diplomados, hasta maestrías y doctorados. Encontrar licenciaturas en línea siempre fue algo complicado, pero, cursar un posgrado ha sido factible desde hace varios años. Dirigidos a profesionistas que por lo regular tienen poco tiempo, los posgrados virtuales fueron una vía de fácil acceso para el perfeccionamiento de la técnica y la ampliación de los conocimientos adquiridos en una licenciatura.

Los dispositivos electrónicos dejaron de ser un signo de exclusividad hace algunos años. Con el auge de los avances tecnológicos, la demanda creció a tal medida que los precios se mantuvieron accesibles para la mayoría de la población. Lo anterior hizo posible que frente a la pandemia por Covid- 19, la educación básica migrara completamente a la modalidad virtual. Imaginemos qué habría pasado si la pandemia que se presenta desde el 2020, hubiera tenido lugar 20 años atrás. Tendríamos un panorama tan poco favorable, que se habría reflejado en un rezago significativo en la educación.

Escuelas de música online, ¿oportunidad?

Dada la naturaleza de la música, estudiarla en línea podría enfrentarnos a diversas complicaciones. Cuando hablamos de escuelas de música online, es importante destacar que nos referimos a una oferta educativa que involucra todas las materias que tengan alguna alguna posible relación con con la música. Las materias de teoría, pedagogía, armonía, historia, apreciación y tecnología musical, podrían desenvolverse sin problemas y hasta de manera favorable en línea.

marketing y música.

La situación es muy distinta cuando hablamos de clases de ejecución (instrumento, música de cámara, etc). Ahí encontramos limitantes en los diferentes pilares de lo que significa una clase de instrumento, como en la imagen, el sonido y el contacto físico. Dentro de la imagen podríamos sentirnos condicionados a la baja calidad derivada de las fallas del internet, el marco de visión y enfoque de las cámaras, ya que son muy reducidos. Otra de las desventajas con la imagen es la ralentización de los movimientos, por lo que las explicaciones podrían ser un poco confusas al no comprender en tiempo real, el ejemplo.

Aunque la imagen es uno de los pilares de las clases, en las escuelas de música online nos preocupa más el recurso del sonido.

Se escucha terrible y no es la falta de estudio ¿qué puedo hacer?

Cómo compartimos anteriormente, lo primordial a la hora de aprender sobre música es el sonido, para esto tenemos una serie de recomendaciones. Lo primero que debemos cuidar es situarnos en una zona donde, de ser posible, no se filtre el ruido de nuestra casa o sonidos externos a ella. También, habrá que elegir un lugar con poca reverberación o eco, para favorecer la captación de los sonidos. En lo personal, podría recomendar un espacio donde la tela sea abundante, tu recámara podría ser un buen escenario al “limpiar” el sonido a través de la alfombra, cortinas y ropa de cama.

En algunas aplicaciones, tenemos disponible “activar el sonido real”. Esta herramienta, puede ayudarnos a escuchar el sonido lo más fidedigno posible a la versión “en vivo”. También, si está dentro de tus posibilidades, podrías adquirir un micrófono que puedas ubicar cerca a tu instrumento. Si no es posible adquirir un micrófono pero tienes a tu alcance dos dispositivos (por ejemplo laptop y celular) puedes utilizar uno como micrófono y otro como cámara. Esto último te permitirá tener más soltura y fluidez al estudiar en una escuela de música online.

La oportunidad de estudiar en las escuelas de música online.

Estudiar a distancia ha permitido, sobre todo en los últimos dos años, que la educación continúe avanzando. En las escuelas de música online, además de permitir el progreso, abre un mundo de posibilidades a los estudiantes. Una de las mayores ventajas de las escuelas de música online, son el acceso al profesor(a) de tu preferencia. Anteriormente, he experimentado la necesidad de conocer y aprender de maestras y maestros que no radican en mi ciudad o país, y las clases en línea han sido la respuesta en esas situaciones. Teniendo la posibilidad de ser una estudiante foránea, he optado por la opción de la virtualidad para disminuir costos de traslado y hospedaje.

cursos de música online

Una ventaja de la virtualidad, es su apuesta por las herramientas novedosas que permiten la experimentación del alumno con la música en diferentes escenarios. El maestro cumple una función vital en la explotación de todos estos recursos virtuales. A la mayoría de ellos podríamos acceder compartiendo nuestra pantalla. Podemos hacer llegar a nuestros estudiantes videos, juegos, tests, o simplemente analizar sus propias ejecuciones con videos pregrabados.

 

Una modalidad virtual en ascenso.

Las escuelas de música online no deben verse de manera dicotómica, es decir, no todo es positivo o negativo en ellas. Sin embargo, debemos reconocer que el potencial de esta nueva herramienta es prometedor. Si queremos eficientar traslados, economizar tiempo y dinero y, sobre todo, estamos listos para una nueva forma de aprender, es una opción adecuada. Como maestros debemos ver la conveniencia de llegar a más personas desde nuestro hogar, de contar con más recursos de lectura, escritura y práctica para nuestros estudiantes. 

Además podemos agendar desde una clase en la escuela de música online, sin que el balance entre inversión (de tiempo y gastos) sea mayor que el ingreso económico recibido.

Sí, la educación virtual tiene defectos pero las clases presenciales también los tienen. Debemos enfocarnos en trabajar las deficiencias de la educación virtual para mejorar nuestra experiencia aprendiendo en las escuelas de música online.

 


Jocelyne Castellanos.

Violonchelista y creadora de contenido artístico y musical.

 

Foto de Ordenador creado por master1305 – FreePik.

¡No esperes más! Invierte en la mejor escuela de música. 

¡Conoce la mejor escuela de música!

¡Espera! ¿Cuál es la mejor escuela de música?

La educación siempre será la mejor inversión que podamos hacer. Invertir en nosotros mismos es un factor clave para nuestro desarrollo personal y económico. Es algo que a largo plazo nos dará la preparación necesaria para generar nuestros emprendimientos musicales, sacarles el máximo provecho, optimizarlos, y alcanzar a más y más gente con nuestra música. Entonces, una  preparación integral no en solo música, sino en todo lo que envuelve a un modelo de negocios, será fundamental para desarrollar nuestro proyecto musical. ¿En qué sentido?

Estudiar música, por sí solo, ya contiene un beneficio globalizador, y por ende, es una de las mejores inversiones que uno puede hacer. La música nos transforma y organiza. El arte le pone nombre y apellido al caos existente en nuestro mundo y define nuestro reflejo personal. Así que, si ya estás en este camino del arte, felicidades, ya llevas algo de ganancia en tu desarrollo frente al resto.

Te invito a leer: “Deberías estar tomando clases de piano. ¡Pero aún no lo sabes!”

Ahora, cuando se trata de generar la propuesta concreta de nuestro proyecto musical -que es algo de lo que hemos estado hablando en el blog anterior–  es necesario equiparse con la mejor preparación de la mejor escuela de música. Una educación que sea integral en varios ámbitos de la cultura y el arte, y que comprenda también varias facetas del emprendimiento y los negocios. Para de esta forma, ampliar nuestra visión sobre un proyecto integrador que haga uso de sistemas eficientes dentro de su estructura.

¿Ya sabes de qué escuela de música hablo? Vamos a explorar paso a paso.

El problema del músico “técnico” de acuerdo con el libro E-Myth Revisited, de Michael Gerber. 

 

Para describir este tema, vamos a elaborar el siguiente ejemplo. Digamos que somos muy buenos maestros en impartir clases de música en determinado instrumento. Nos gusta mucho la música en general, disfrutamos de la docencia y la pedagogía infantil, conocemos los métodos de estudio para cada edad de aprendizaje,  somos carismáticos y aceptados por nuestros alumnos. Ante esta expectativa, gente cercana y allegada a nosotros nos motiva a poner una academia de música. “¿Qué podría estar mal?” nos preguntamos. Tenemos muchos alumnos, buena aceptación, nos gusta hacer las cosas con calidad, y podemos garantizar una buena afluencia de personas dentro nuestra nueva escuela de música. Sin embargo, las cosas no son tan fáciles como parecen.

Al abrir nuestra escuela, como tarea principal hacemos lo que más amamos hacer, que es dar clases de música. Nos gusta tomarnos nuestro tiempo con cada alumno, personalizar su clase, hacer las cosas bien y con calidad como siempre acostumbramos. Nos sentimos presionados si hay más de dos alumnos dentro de una hora de clase porque pensamos que es imposible cubrir una buena enseñanza con tan poquito tiempo. Sin embargo, ahora que abrimos nuestro negocio, no es la única responsabilidad que tenemos.

Entre las múltiples responsabilidades que implica tener una escuela, se pueden enumerar las siguientes: establecer los canales de promoción, hacer estrategias de marketing, generar publicidad, crear publicaciones de valor en redes sociales. En el plano administrativo, registrar pagos, hacer recibos, atender a clientes prospectos, agendar clases, buscar maestros de otros instrumentos, recibir llamadas, dar informes, etc. Esto, más solventar los gastos fijos que se generen de nuestra actividad como: tener la presión del pago de una renta, servicios, mantenimiento, y material. Así como gastos variables como compra de equipo, reparaciones, mantenimiento de los instrumentos, imprevistos, etc.

¿Qué hace el músico ante esta abrumadora lista de nuevas cosas por hacer? 

Naturalmente, contratar a alguien para que nos ayude a hacer aquellas tareas que no disfrutamos del todo hacer. Un administrador, un coordinador, o una secretaria, por así decirlo. Todo parece encontrar solución ahora. “Alguien que se dedica a la administración puede llevar adecuadamente todo lo relativo a esa actividad y demás cosas que se requieran”, decimos. Pasan algunas semanas, y el músico comienza a delegar al administrador todas esas tareas que no le gusta hacer: poner en orden los recibos, pagos, facturas, logística de los salones, atención al cliente, y demás. Y pareciera que las cosas comienzan a funcionar, pero ahora surgen algunos problemas.

Nuestro amigo administrador se ve en la necesidad de tomar ciertas decisiones por su cuenta y a su propia manera de entender la empresa. De parte del músico no recibió las instrucciones necesarias para llevar su labor, simplemente le dejaron las tareas que no quisimos hacer. No conoce las cuestiones específicas de una escuela de música, se le pasa por alto varias cosas, no registra bien los pagos, no le contesta bien a los clientes, su tono de voz es áspero y, como no es músico, tampoco sabe darle un seguimiento personalizado a los nuevos clientes que van llegando. Todo esto nos comienza a irritar y desesperar.

¿Qué nos hace falta como músicos? 

Esta forma de delegar no resultó eficiente para nosotros, que nos apasiona dar clases y no queremos desprendernos de esa actividad que nos apasiona. Nos damos cuenta de que las cosas no están funcionando, no se le está cobrando bien a los clientes, no se registran bien los pagos, no prospecta a nuevos clientes de manera adecuada, y los clientes no están felices con su atención. Aunado a esto, nuestro administrador se cansa, y simplemente renuncia porque se le paga poco y se le reclama de los problemas anteriores. Ahora nos encontramos solos y desesperados, no sabemos qué hacer y cómo salir adelante. Pensábamos que lo único que necesitábamos era ser bueno en la música y dar buenas clases de su instrumento.

Visto en perspectiva, el problema aquí es que el músico en cuestión delegó actividades sin conocer qué era lo que realmente necesitaba, sin abarcar una visión de proyecto integral que comprenda, no solo la calidad musical acostumbrada, sino la implementación de un sistema de negocio en torno a la visión general de su proyecto musical. Si nosotros no construimos un sistema eficiente sobre nuestro proyecto musical estaríamos estancados solo una fase, la de “técnico” de nuestra actividad, según el libro que menciono a continuación.

¿Cómo puede ser la preparación integral del músico para crear nuestra propuesta?

Michael Gerber, en su libro The E-Myth Revisited, del cual se basó el ejemplo anterior, explica cada una de las fases del emprendimiento para desarrollar nuestro proyecto musical.

Lo que propongo, de acuerdo a dicho libro, es contar con la preparación adecuada para abordar las siguientes dos facetas del emprendimiento: administrador y empresario.

Emprendedor:

El emprendedor, es el visionario, el generador de ideas y estrategias. Su cualidad es que vive en el futuro, en el rumbo de sus proyectos y de sus emprendimientos. A su vez, establece los sistemas sobre los cuales se va a fundamentar su proyecto. El emprendedor anhela  libertad, éxito, y pasión por lo que más le gusta hacer.

Administrador.

El administrador vive en el presente, es el que planea y pone en orden las visiones del emprendedor, delega las tareas, establece esquemas de trabajo, jerarquías y responsabilidades.  También es responsable de la salud financiera de la empresa.

Técnico.

El trabajo técnico comprende la siguiente cita:“Si tú entiendes el trabajo técnico de un negocio, tú entiendes solo el negocio de dicho trabajo técnico” El técnico le gusta enfocarse solo en su labor, le gusta tomarse su tiempo y hacer las cosas con calidad acostumbrada. No le gusta que nadie lo esté presionando sobre sus tiempos y las cosas que debe hacer. Es el que toma la acción dentro de una empresa, y muchas veces lo representa la siguiente frase:  “Si lo quieres bien, hazlo tú mismo”. Sin embargo, una de sus características es que llega un punto en que ya no puede por sí mismo, y necesita contratar a alguien.

“Trabaja en tu proyecto y no dentro de él”

“Trabaja en tu negocio, no dentro de él.” Es uno de los principios que contiene este libro. A su vez,  contiene conceptos muy importantes sobre el siguiente paso a dar, una vez definido tu proyecto musical. Responde a las preguntas ¿cómo puedo hacer que mi proyecto musical funcione sin que esté yo necesariamente ahí dentro? ¿Cómo puedo crear un sistema eficiente de mi emprendimiento? ¿Cómo puedo hacer lo que más amo hacer? Un libro que sin lugar a dudas, te recomiendo leer.

A manera de síntesis de los conceptos anteriores, el punto que quiero abordar es que el emprendedor tiene varias facetas, las cuales son: técnico, administrador y empresario. Al músico técnico le gusta su trabajo, le gusta el tiempo que se toma en hacer aquello que hace con tanto esmero. Sin embargo, no le gusta meterse en problemas de todo lo que circunda alrededor del negocio musical. Y es por eso que muchas veces se ve solo en sus proyectos, le falta visión y perspectiva de hacia dónde va con lo que más le gusta hacer. Hay que tener una perspectiva de lo que se necesita y reinventarnos nosotros mismos como administradores y emprendedores, para posteriormente delegar eficientemente y generar los sistemas de nuestro proyecto.

Me gustaría con este blog que tu proyecto musical sea con una visión integral de negocio. Que sea con miras a crear un sistema eficiente de tus emprendimientos. Ya sea si te dedicas a la docencia, al concertismo, a la composición, a la producción, al management, o alguna otra actividad, me gustaría invitarte a generar una propuesta de calidad mediante un proyecto transformador del que hemos estado hablando últimamente. Para esto, hay que seguir cultivando nuestra mente con nuestra propia educación.

Situación de las escuelas de música y la educación universitaria. 

 

Te has puesto a pensar, ¿vale la pena estudiar una educación universitaria para salir a un mercado laboral donde no te contratan? O también, ¿se justifica el costo de la educación universitaria para mejorar tus ingresos?

En las últimas dos décadas, los costos de la educación subieron más que otros servicios como salud, vivienda, y comida. Esto se da por diversos factores como:

  1. Percepción del valor: el 90% de los estudiantes piensa que estudiar una carrera universitaria va a mejorar sus ingresos.
  2. Más crédito disponible para pagar una universidad. Más que cualquier otro tipo de crédito.
  3. Pago a maestros, personal, instalaciones y amenidades.

La educación es una inversión, sin lugar a dudas. Sin embargo, a pesar de esta percepción inicial, no hay evidencia definitiva que la educación universitaria pueda garantizarnos un puesto en el mercado laboral y generar ingresos equivalentes a la inversión que estamos haciendo.

En lo que respecta a la misma educación superior en el ramo musical, es importante hacer una valoración similar de los perfiles de egresos de los alumnos y sus oportunidades en el mercado laboral. Muchas veces los egresados de las escuelas de música no encuentran un mercado laboral por dos motivos.

  • Una es la proyección de la matrícula en función de las necesidades del mercado. Esto es, que los programas de estudio, en parte, no están acorde con las demandas del mercado laboral.
  • Y dos, la falta de incentivos para la generación de proyectos artísticos, no solo económicos, sino de implementación de programas educativos para la generación del mismo.

Esto lo traigo al tema porque repercute directamente en nuestro proyecto musical, que debe ser relevante para nuestro mercado y debe encontrar una necesidad en el mismo.

Tomando en cuenta lo anterior, es muy importante hacer una valoración de lo que necesitan los alumnos al estudiar una carrera musical. Con todo lo que conlleva de esfuerzo, sacrificio, gastos y tiempo, muchas veces los alumnos no salen con las herramientas necesarias en un mercado laboral donde se  muy  hacen cosas distintas a las que estudiaron.

  • Por ejemplo, estudiar siete años música clásica, para posteriormente trabajar en una agrupación de música popular.
  • Tener una educación orquestal en tu instrumento, pero cuando egresas hay muy pocas orquestas para aplicar.

Entonces, los egresados se enfrentan  ante la siguiente pregunta…

¿Qué necesita el músico complementar la educación musical universitaria?

Ante la cuestión de que una carrera musical muchas veces no va con el mundo real en el plano artístico. A mi parecer hay que tener las siguientes propuestas de materias, cursos o talleres. Y si no es posible, complementarlo con los libros o cursos.

  • Generación y creación  de proyectos
  • Investigación de mercado.
  • Administración
  • Relaciones públicas.
  • Educación musical y pedagogía. (No solo para los que imparten esa carrera)
  • Marketing digital.
  • Educación financiera. Los músicos más que ninguno, ya que obtenemos nuestras ganancias de diversas fuentes de ingreso.

Así mismo, no hay que dejar de lado la cuestión práctica, que como vimos anteriormente, nos hace no solo ser técnicos de nuestra actividad musical, sino también administradores y emprendedores.

No dejes de lado tu educación musical.

El moverte por tu cuenta, buscar material, libros, videos, cursos, diplomados, festivales, clases magistrales, conciertos, concursos, nos va dar la oportunidad de seguir acrecentando la calidad de nuestra oferta musical. Con la información anterior, sabemos que no es posible delegar todo nuestro conocimiento a la universidad y que es indispensable armarnos con lo que vamos a ir requiriendo para nutrir nuestro proyecto musical.

Conclusión. 

Dando por terminado este tema, la conclusión es que la mejor escuela de música es la que creas tú mismo. Esto es, con todas las herramientas culturales, técnicas, artísticas, financieras y de negocio que puedas adquirir a lo largo de tu vida. La escuela de música universitaria es apenas una parte muy reducida de todo lo que conlleva la creación de valor de tu propuesta artística.

Hay que recordar que toda nuestra preparación es para nuestro proyecto artístico, algo que tenga un elemento diferenciador y que aporte valor a la sociedad. A continuación, veremos la parte práctica de la creación de nuestro proyecto artístico, así que, ¡manos a la obra!


Por Ernesto Tonatiuh

Director de la Academia de Formación Artística Música Proyecta.

 

¿Conoces la oferta musical de las escuelas de música en Guadalajara? Te invitamos a conocer la nuestra para que vivas tu experiencia creativa con nosotros.

A la fecha y hora de emision de esta nota informativa la reserva de derechos que figura en la inscripción de esta obra es: “Creative Commons Attribution 4.0″. La presente nota informativa ha sido emitida el día 23-sep-2020 a las 15:34 UTC a instancia de Ernesto Tonatiuh. Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción parcial o total de esta obra.

Vector de Fondo creado por brgfx – www.freepik.es

 

 

Vivir de la música. ¡Tienes que estar bromeando!

Vivir de la música

Quiero que imagines por un momento, cómo sería tu vida si no tuvieras ningún impedimento para hacer lo que más amas hacer. Piensa que no tienes presiones de ningún tipo que influyan sobre ti: familiares, económicas o sentimentales. Más aún, imagina también que en este preciso momento supieras la fecha de caducidad de tu vida. Si bien, tu tiempo en este mundo puede durar un breve período, o augurar una larga y longeva vida.

Ahora, si todo esto estuviera resuelto para ti, ¿seguirías haciendo las actividades de tu rutina diaria? O quizá, emprenderías ese viaje con la aventura de hacer aquello que no te deja dormir. Si es el caso, entonces ¿te has planteado alguna vez la posibilidad de vivir de la música?

Si es tu caso que la música ha formado parte esencial de ti, de tu vida, de tu expresión, y estás pensando seriamente en dedicarte a ella, quiero decirte que vas por el camino correcto.  La música es uno de esos emprendimientos que se construyen  de las experiencias de toda una vida. La esfera musical representa un cúmulo de sucesos, relaciones, emprendimientos y horizontes. Esto es, muchos amigos, conciertos, maestros, trabajos, y relaciones artísticas.

Tu vocación musical

La música es una vocación y una profesión a la vez. Esto quiere decir, que no comienza en la escuela de música, sino con una inquietud incesante que te empuja a aprender y a descubrir todo el tiempo. Es una carrera muy distinta a todas las demás, ya que te acompaña toda la vida, te envuelve en todos los sentidos y se convierte en tu quehacer constante.

La música es una actividad que te define, te ayuda a expresarte, y a trabajar en tu persona a través del arte. Tu personalidad se ve reflejada en la música que creas, y en la música que creas se ve el reflejo de tu persona.

Si la música forma parte de ti, es indispensable no dejarla ir de tu vida. Abrázala y haz que se convierta en tu trabajo diario. Aquel que desarrollas con tu energía e iniciativa y le haces sacar el máximo provecho.

Un modelo para vivir de la música. 

Ahora, si la música se convierte en tu forma de vida, es importante sentar las bases para hacer de ella un modelo de trabajo rentable, para compensar toda esa energía y tiempo. En otras palabras, la música se puede convertir en un modelo económico útil, mediante el desarrollo de proyectos que generen valor a nuestra sociedad. Y haciendo esto, maximizar, diversificar y proyectar nuestras ganancias de nuestra labor musical.

Es por eso que este post va dedicado a las y los jóvenes que están por empezar su camino en la música, o ya tomaron esa decisión. Para que todo su contenido les sea de utilidad a lo largo de su carrera en relación con su proyección artística, en diversificar sus fuentes de ingresos, generar activos de propiedad intelectual, hacer a la tecnología el centro de su creación, y en sí, crear proyectos artísticos rentables que beneficien a toda una sociedad con la que se identifican.

Te invito a leer, “Cómo vivir de la música: Marketing musical”

Vamos alimentando tu idea musical. 

Para comenzar nuestro viaje, me gustaría que nos reconozcamos como los artistas que somos. Que nos veamos en el espejo y digamos, ¡Yo soy un artista! Y a la par preguntarte, ¿cómo te nació esta idea de ser músico?, ¿cómo te enamoraste de la música?. Bien pudo haber sido por algún concierto al que asististe, o tienes algún familiar que sea músico. Las opciones pueden ser muy variadas, sin embargo, es importante analizar cómo fue tu acceso a este arte.

Este primer acercamiento nos ayuda a reconocer los fundamentos y pilares en los que se construye nuestra decisión musical. Y una vez definido esto,  posteriormente vamos responder a las preguntas ¿por qué decidí ser músico? y ¿para qué?

Aquí viene la parte interesante. La construcción de tus ideas y fundamentos musicales preferentemente tienen que estar dirigidas hacia ti mismo, hacia lo que la música representa para ti, lo que te hace sentir, lo que puedes comunicar a los demás, y lo que puedes desarrollar como creador y como persona.

Por otro lado, hay motivos y razones que se basan en el exterior, en la superficie, en cuestiones que son una consecuencia de tus actos. Estas últimas las podemos redefinir o cambiar como veremos a continuación. Lo explico con los siguientes ejemplos.

Motivos a redefinir o cambiar. 

Decido ser músico porque:

  1. Quiero ser famoso.
  2. Deseo tener muchos/ muchas fans.
  3. Necesito ser aceptado y respetado por mi arte.
  4. Quiero demostrar a la gente quién soy y lo que valgo.
  5. Tengo la necesidad validarme ante mis maestros y padres para demostrar que puedo.
  6. Obtengo otro tipo de validación ante amigos, o relaciones sentimentales.
  7. Necesito aceptación.

Como podemos ver. Si nosotros nos hacemos las preguntas ¿por qué? y ¿para qué? a las cuestiones anteriores,  nos pueden llevar a cuestiones externas a nuestra persona que nos hacen validarnos frente a otra gente. Por ejemplo, “quiero ser famoso”. Para esto, es importante preguntarse varias veces “¿por qué?”

  • ¿Por qué quiero ser famoso?
  • “Para tener muchos seguidores”
  • ¿Por qué quieres tener muchos seguidores”
  • “Para que mucha gente disfrute de mi música”
  • ¿Por qué quieres que mucha gente disfrute de tu música?
  • “Para que se identifiquen con lo que yo siento”
  • ¿Por qué quieres que la gente se identifique con lo que sientes?

Puede haber muchas combinaciones a las cuestiones anteriores. Si sientes que es tu caso, no te preocupes. Siempre que tu valía como artista no depende de las demás personas vas por buen camino. Ahora te invito a revisar los siguientes motivos.

Motivos deseables.

Si algo quisiera que guardaras en tu mente con la lectura de este blog es lo que voy a mencionar a continuación.  Piensa en estos rasgos que te voy a mencionar a lo largo de tu carrera musical. Tienes que pensar que tú eres el motivo y la razón  más importante para tus decisiones artísticas,  y que todo tu desarrollo será para ti mismo y para tu mejoramiento personal. Lo demás, proyectos, dinero, fama, se podrá fundamentar en tus decisiones personales.

  1. Con la música me expreso y quiero saber más opciones y técnicas para expresarme
  2. Con la música defino mis sentimientos: lo que pasa en vida tanto bueno como malo, lo defino con mi música.
  3.  Genero proyectos que difundan mi música y ayuden a la gente.
  4.  Mis proyectos son rentables para vivir de mi música.
  5.  Cubro una necesidad en el mercado que ayude a la gente de manera educativa.
  6.  Compongo música novedosa y nueva para las futuras generaciones.
  7.  La música es para mí y para mi desarrollo personal.
  8. Quiero ver mi reflejo en la música y trabajar mi persona mediante el arte.

Piensa por un momento estas frases anteriores. Haz una lista respondiendo a las preguntas ¿por qué? y ¿para qué? siete veces. Sí, siete veces para encontrar la verdadera motivación y razón de tu decisión por seguir y emprender una carrera musical.

¡Haz la prueba!

Paradigmas sociales de la música

Existen en nuestro entorno inmediato, paradigmas o creencias que nos hacen disuadir un poco nuestras decisiones sobre estudiar música. Familiares, amigos y compañeros cercanos pueden sentir que tu decisión musical no está bien encaminada por el contexto socioeconómico y cultural que se vive en tu país de origen. Muchas de estas ideas no tienen un fundamento claro y se basan solo en creencias. Y más aún, a los músicos verdaderamente nos irritan este tipo de frases. Estas pueden ser:

  1. ¿Cómo te vas a mantener?
  2. ¿La música es una carrera normal?
  3. ¿Además de música no estudias otra carrera?
  4. Te vas a morir de hambre.
  5. Los músicos son gente muy informal.
  6. Oye, ¿y cuántos instrumentos tocas?
  7. ¿Te sabes las mañanitas? ¡Toca!
  8. ¿Tocas gratis por promoción?

El reto, no es solamente superar estos obstáculos, que en muchas ocasiones pueden ser cruciales en la vida de un jóven músico. Sino, también, como mencioné anteriormente, hacen tambalear tus motivos y razones musicales.

Tener un círculo artístico fuerte de amigos y maestros, hará que tu motivación, tus razones, y tus decisiones se mantengan firmes para que salgas adelante con tus ideas.

Pero ahora sí, vamos entrando en materia…

Mi propósito musical contigo. 

A lo largo de una serie de artículos, me gustaría invitarte a que juntos podamos descubrir cómo crear proyectos musicales rentables de calidad, generar ingresos de diversas fuentes del ámbito musical, así como maximizarlos y optimizarlos mediante la creación de activos de propiedad intelectual. Esto, mediante el uso de la tecnología como centro de nuestra promoción, difusión y creación musical.

Para esto, vamos a explorar un poco las posibilidades que tiene un músico para adaptar su propuesta de trabajo en su campo laboral. Y también, desmentir un poco el sistema de creencias que existe sobre los proyectos musicales.

El panorama musical y su paleta de opciones. 

A lo largo de esta serie, estaremos analizando todas las posibilidades que ofrece el mundo musical. La multiplicidad de alternativas, los nichos de mercado así como la rentabilidad de las opciones que ofrece el mismo. Y en su conjunto, elaborar las estrategias para abordar de manera efectiva tu propio proyecto musical.

En la esfera musical, existen una serie de nichos de oportunidad que nos van a ofrecer una multiplicidad de caminos en la música. Muchos de ellos van orientados a nuestra personalidad, gustos, capacidades y perspectivas.

Nichos de oportunidad para vivir de la música.

  1. Docencia musical.
  2. Concertismo.
  3. Management.
  4. Edición.
  5. Producción/ Autoproducción.
  6. Composición /Arreglos.
  7. Organización de conciertos.
  8. Renta e instalación de equipo de audio.
  9. Derechos de autor.
  10. Grabación.
  11. Distribución.
  12. Marketing.
  13. Marketing de contenidos.
  14. Merchandising.

Cada uno de estos campos de trabajo contienen diversas actividades y variantes dependiendo del giro económico en el que te encuentres. Para cada uno de ellos, es importante crear una comunidad de la que puedas aprender y que sean partícipes de tus ideas y proyectos. Y a proyectos me refiero a lo siguiente.

La necesidad ¡urgente! de proyectos rentables en la música. 

 

Esto es un punto muy importante y a la vez delicado. ¿Quién tiene que enseñar a los jóvenes a generar proyectos rentables en la música? Los maestros en las escuelas de música. Digo, siendo uno de los puntos más importantes, sería una materia crucial para cursar en cualquier universidad o institución. Y aunque los alumnos lleven una materia similar,  la generación de proyectos no puede ser algo estandarizado, o encasillado en una fórmula. Más bien, funcionaría como un incentivo y motivación que se le puede dar al alumno por sí mismo a encontrar un área de oportunidad en el mercado.

El tema de las escuelas de música lo vamos a abordar más adelante en próximas secciones. Aún así, cabe recalcar que en las escuelas hay excelentes maestros de música que orientan a sus alumnos a buscar nuevos horizontes con la música, sin embargo muchas veces el sistema no cuenta con incentivos para la generación de proyectos independientes.

A lo largo de mi carrera como maestro universitario, me he percatado de la falta de proyectos rentables dentro de la música que hagan uso de las herramientas tecnológicas para su difusión, distribución y alcance. Muchas veces son buenos proyectos que no encuentran salida, o en ocasiones, son malos proyectos por falta de una planeación objetiva de negocio.

Otras veces, los alumnos se encuentran envueltos en tareas y estudio de su instrumento pensando que eventualmente llegará una buena oportunidad de trabajo si uno estudia bien y saca buenas calificaciones. Cuando la realidad es muy distinta al momento de ejercer su profesión fuera del aula.

En el círculo musical existen varias creencias o acepciones sobre los proyectos y la cultura en nuestro país. ¿Te suena o te es familiar alguna de las siguientes?

Creencias comunes por falta de proyectos rentables en música. 

  1. Se ha recortado el presupuesto a cultura.
  2. Al Estado no le importa la cultura.
  3. La sociedad no es culta en mi país de origen.
  4. La gente no valora lo que hago.
  5. No hay espacios para presentarse en concierto.
  6. Las becas las reciben muy pocas personas.
  7. En otros países se apoya más el arte y la cultura.

Te sorpendería saber cuánto gastan los gobiernos europeos en servicios culturales. En la mayoría de los países, el porcentaje de gasto del PIB es menor al 1%. (Estadísticas del 2018)

¿Y si cambiamos esas creencias?

El artista debe aportar valor a la sociedad de la cual pertenece. A su vez, el artista debe generar proyectos educativos que cultiven a esa misma sociedad, que cubran una necesidad en el mercado, y por último, establecer un valor económico de su actividad.

  1. La sociedad no consume mi propuesta musical porque no he generado una necesidad en el mercado.
  2. Pensamos que el público no es culto en nuestro país de origen,  porque no hemos aportado el valor suficiente con nuestro proyectos musicales.
  3. Si nos pagan poco por nuestra actividad, es porque no hemos establecido el valor de lo que hacemos.
  4. El Estado no debe definir la totalidad del valor de tu propuesta artística.
  5. El presupuesto de cultura es mínimo en casi todos los países del orbe.

Hay que recordar que nuestra oferta musical  tiene que tomar los siguientes puntos.

  1. Satisfacer una necesidad del mercado
  2. Tener gran calidad y profesionalismo
  3. Generar proyectos que beneficien a la gente.
  4. Crear una comunidad.
  5. Establecer una labor pedagógica para las generaciones futuras.

Sí, es responsabilidad del estado crear la infraestructura para el desarrollo de las artes, pero mientras eso pasa ¿qué vas a hacer? ¿qué le vas a ofrecer a la sociedad? O, ¿vas a esperar meses o años para tener un incentivo económico por parte del gobierno?

El músico nunca ha sido el típico creador que crea bajo la sombra de una vela. Si observamos las vidas de Mozart, Beethoven, Rossini, Wagner, eran personas que verdaderamente sabían promover sus obras a cosa de su misma  vida. Yo nunca he creído lo contrario.

Así que…

¡Felicidades!

Si llegaste hasta aquí, es porque te interesa conocer más sobre cómo vivir de la música.  En el presente blog definimos los fundamentos y pilares de tu decisión musical. Revisamos un poco el panorama de la creación artística y vimos la necesidad urgente de crear proyectos musicales rentables y de calidad. Esto también, mediante la puesta sobre la mesa de diversas creencias o acepciones sobre nuestra actividad. Muy debatibles todas ellas.

Quiero invitarte a que a lo largo de mis blogs estemos analizando las oportunidades que ofrece estudiar una carrera musical. Desde el aspecto técnico de la música, hasta sus canales de difusión, marketing y todo lo que envuelve a la esfera musical.

Sigue de cerca los siguientes posts que estaré publicando sobre el tema.

¡Hasta pronto!

De las escuelas de música en Guadalajara, me gustaría que conocieras la nuestra. Te invitamos a descrubrir una experiencia creativa musical con nuestra oferta musical. Contamos con cursos de música en Guadalajara y clases de música en Guadalajara.


Ernesto Tonatiuh

Director de la Academia de Formación Artística Música Proyecta.

Aviso importante:

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El violinista que vendió su alma al diablo.

Violinista

Sí, no es mentira. Existió un violinista, que por el dominio excepcional de su instrumento, se creyó que había hecho un pacto con el diablo. Motivo que le impidió recibir cristiana sepultura al momento de su muerte.

Se considera como el más grande violinista que jamás haya existido. Su violín fue objeto de seducción de los más grandes escenarios europeos, así como la fuente de inspiración de toda una generación de románticos. Liszt, Schumann, Chopin, Brhams, Rachmaninoff, entre otros, hicieron honor a su música con dedicaciones en su nombre. Y en sí,  todo el siglo XIX estuvo impregnado por los desarrollos técnicos de su violín, aplicados al virtuosismo en todos los instrumentos musicales.  

Leyendas e historias se hablaron en Europa de su legendaria técnica al violín. Hoy en día, a pesar de las grandes proezas de muchos intérpretes, muy pocos violinistas han alcanzado a tocar con éxito sus obras como tal cual las escribió. Su nombre quedará plasmado como el más grande virtuoso de la historia con el sello distintivo del espíritu del genio romántico.  Nicolo Paganini

En este post, me gustaría explorar la vida de este enigmático violinista desde el punto de vista anecdótico y especulativo. Muchos de sus datos biográficos han sido corroborados en varios libros con autores reconocidos. Pero, la vida de Paganini siempre nos deja una ventana abierta al misticismo de uno de los violinistas más enigmáticos que haya existido. 

La inspiración de la generación romántica.

Inicios musicales en Italia.

Paganini comenzó a tomar clases de violín a muy temprana edad en su natal Génova, Italia. A los nueve años, hizo una gira por varias ciudades italianas, sin embargo, fue hasta sus dieciséis años que fue considerado un verdadero virtuoso del violín

De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de María Anna Elisa Bacciocchi, hermana de Napoleón, con quien se rumora que pudo haber tenido amoríos.  Posteriormente, se dedicó a viajar como virtuoso del violín por las principales ciudades de Europa. 

El violinista de inigualable técnica.

Paganini fue la fuente de inspiración de los más grandes compositores de su tiempo. “La Campanella” y el “Capricho 24”, fueron objeto de estudio para muchos compositores, entre los que cabe mencionar a Franz Liszt, Robert Schumann, Johannes Brahms, Sergei Rachmaninoff, Witold Lutoslawski. Quienes escribieron conocidas variaciones sobre estos temas, las cuales detallo su nombre en este artículo. 

Anécdotas

El violinista poseído. 

Debido a su inigualable técnica, la fama de Paganini de estar poseído con alguna entidad demoníaca le persiguió hasta su lecho de muerte.

Al momento de su muerte, el obispo de Niza,  le negó la cristiana sepultura. Esto debido a que Paganini se negó a recibir la extremaunción unos días previos, con el pretexto de que aún no llegaba su hora. Debido a esto, estuvo embalsamado en el sótano de su hijo por dos meses, siendo enterrado más tarde en Lazareto de Villefranche, y posteriormente en el cementerio de Parma, Italia. 

Un sueño diabólico.

La madre de Paganini, tuvo un sueño cuando su hijo tenía 5 años, en el que el mismísimo diablo le comunicaba que su hijo sería un gran violinista. Por esta razón, su padre le puso a estudiar violín por horas interminables encerrado en el sótano de su casa. 

Más adelante en su vida, comentaba que él mismo había hecho un pacto con el diablo. Y aseguraba que esa era la razón de su inigualable virtuosismo. 

Apariencia cadavérica.

Con abrigos deshilachados y pantalones negros, Paganini siempre fue fiel a su forma de vestir a pesar de su fortuna. Sus contemporáneos lo describen como un ser cadavérico, de rasgos afilados con una prominente nariz. 

Más tarde en su vida, tomaba un medicamento de mercurio debido a la sífilis que lo aquejaba por varios años. Esto le hizo perder varios dientes, y adelgazar considerablemente por múltiples molestias estomacales que sufría. 

Con tan solo una cuerda en su violín. 

En sus conciertos solía hacer espectáculos de tocar obras musicales en su violín solo con una cuerda. Hay quienes dicen que durante una presentación se le rompieron tres de las cuatro cuerdas de su violín, y a pesar de ello, terminó con éxito su concierto.

Gran atracción por las mujeres. 

Paganini tenía afición por el juego y la bebida, tanto que llegó a arriesgar su propio violín en varias ocasiones. A pesar de ello, y de su aspecto descuidado, tuvo un gran éxito con las mujeres, tanto que llegó a tener sus haberes sentimentales con una hermana de Napoleón.

¿Tacaño?

Una noche, después de un concierto, Paganini pidió un coche de caballos para que lo llevara a su hotel.

Cuando llegaron a su punto de destino, el cochero le dijo que serían 5 florines por el traslado. Paganini, sorprendido le respondió -¡Cinco florines! ¡Debe estar bromeando, este trayecto suele costar solo un florín!

El cochero, un tanto indignado le respondió, -pero señor, usted gana cincuenta mil florines por tocar algunas notas sobre una cuerda, no debe ser nada para usted pagar solo 5 florines-.

Paganini, le respondió. -Cuando usted sea capaz de conducir su coche con una sola rueda, yo le pagaré lo que usted me pide-. Y con esa resolución el gran maestro le pagó solo un florín, y se fue caminando a su hotel. 

Violines.

Durante su vida, llegó a poseer cinco violines, dos Stradivarius, dos Amati, y un Guarnerius. Este último era su favorito, y era  llamado Il Cannone.

Para descubrir más sobre la vida de Paganini, te invito a leer más sobre su biografía en este siguiente enlace.

Obras

La mayoría de las obras de Paganini están escritas para violín solo, siendo este su instrumento principal. Sin embargo, también cuenta con mucha música de cámara y música de  concierto para su instrumento, de una gran complejidad técnica y expresiva.

Obras sobresalientes.

  1. Los 24 Caprichos para violín solo. En los que Paganini explora diversas técnicas del violín a manera de estudios. 
  2. 5 Conciertos para violín y orquesta. 

Obras inspiradas en él.

Como pudimos apreciar en “La inspiración romántica”, Paganini fue objeto de admiración y estudio por parte de sus seguidores. A continuación, enumero algunas de ellas, mismas que son interpretadas de manera habitual en el repertorio clásico. 

  1. “6 Sonatas dedicadas a Paganini” para violín solo, de Julián Carrillo.
  2. Seis Grandes Études de Paganini, para piano solo, donde se incluyen los arreglos de 5 Caprichos. Uno de ellos es la famosa “Campanella”. De Franz Liszt. 
  3. Estudios sobre los Caprichos de Paganini y un movimiento de su famoso Carnaval, lleva el nombre también de Paganini. De Robert Schumann.
  4. El Capricho No. 24, ha sido la base de variaciones muy importantes como “Variaciones sobre un tema de Paganini”, de Brahms. Y la “Rapsodia sobre un tema de Paganini”, de Rachmaninoff. 

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Por Ernesto Tonatiuh

Director de la Academia Música Proyecta

¿Cómo estudiar piano? ¡Cambia tu estrategia!

Cómo estudiar piano

¿Cómo estudiar piano? es una de las preguntas constantes en la formación de un músico, y que está presente desde las primeras lecciones de un niño, hasta universitarios y consumados intérpretes. Pero la cuestión que quiero abordar no solo es cómo estudiar de la mejor manera posible, sino tener otro acceso adicional, preguntándote si en verdad disfrutas de estudiar piano.

Disfrutar de esta actividad es una cuestión muy importante, ya que nos envolvemos en este arte por un enamoramiento con el instrumento. Parte de una cuestión idílica donde la música nos atrapa mediante una hipnosis inexplicable. Sin embargo, cuando llegamos a nuestra primera clase de piano corremos el riesgo de convertir nuestra práctica en una serie de complejidades mecánicas y técnicas que pueden distar mucho de aspectos que podamos disfrutar en una primera instancia.

Muchas veces, los maestros de piano corremos el riesgo de abordar cuestiones técnicas sobre un alumno que no se ha estimulado musicalmente. Esto quiere decir, ayudarlos a crear y expresar música con su voz, cuerpo y movimientos, previamente. Si no es así, pueden surgir una serie de tensiones, malas posturas, técnicas y hábitos que pueden perjudicar toda la formación del alumno.

“Si no hay buena técnica, no puede haber todo lo demás,” podrán decir. Sin embargo, si nos enfocamos primero en aspectos técnicos, se va perdiendo el verdadero propósito de la música, que es: sentirte creativo, sentirte expresivo y reflejar lo que sientes con sonidos desde tu primera clase de piano.

En este post me gustaría orientar, tanto a los alumnos,  padres de familia y maestros a cómo mantener vivo el espíritu de estudiar piano, sentarte con ánimo frente a tu instrumento y que cada una de las técnicas de estudio sea como un juego. Para disfrutar de tu proceso al estudiar piano, podemos estar a una simple estrategia de lograrlo.

Sé que este proceso creativo con el piano puede tomar varios caminos en tu formación. Es por eso que me gustaría que disfrutes este proceso de aprendizaje al piano con una muy buena herramienta. Por eso quiero recomendarte el curso “Toca piano Fácil” dando clic al siguiente en lace de afiliado de Hotmart: 

Es hora de sentirse creativo al piano.

Piensa ahora en una canción que te guste mucho. ¿Listo? Ahora, cántala. Pero antes, ¿tienes en cuenta el ritmo, pulso, afinación, entonación, construcción melódica, y respiración? ¡Por supuesto que no! Sin embargo, te gusta cantar tu canción favorita porque te define y te puedes expresar con ella.

Pero qué pasaría si hubiéramos comenzado al revés. Si yo te hubiera tenido que explicar todas las cuestiones teóricas y técnicas del estudio de la música y después tu canción. El orden de los factores sí alteraría nuestro producto. No está mal, quiero remarcar, pero alteramos la naturalidad expresiva que un alumno nuevo puede tener sobre la música. Hay que recordar que un alumno debe sentirse expresivo y creativo con lo que la música genera en su ser, antes de encasillarlo en la construcción formal de la música.

Esta naturalidad de la música es la perspectiva que me gustaría abordar para explicar todos los conceptos musicales de ritmo, pulso, melodía, frases y forma musical. Y en función a ello, disfrutar nuestro estudio al piano.

Te invito a leer mi artículo “No tengo talento, ¿la música es para mí?

Para comenzar a vivir las experiencias y elementos que menciono a continuación, me gustaría recomendarte este curso de piano que te va a involucrar paso a paso en el estudio del piano con todas las competencias necesarias:  Hotmart.

Expreso mis sentimientos con el piano.

1.- Cantar, cantar y solfear. 

Como mencioné anteriormente, el canto es la forma en la que podemos entender la música de forma natural. Cualquier frase musical o ritmo se puede estudiar de mejor manera si antes la cantamos. Esto es, si tiene letra, cantamos la canción, marcamos el pulso y posteriormente cantamos las notas -con su ritmo- marcando igualmente el pulso indicado. Esto le va dar una fluidez a nuestro entendimiento de la melodía y una construcción natural del ritmo al momento de tocarla al piano.

2.- Frases musicales y el movimiento. 

Las frases musicales, son líneas que tienen una dirección y un sentido; así como un inicio, una culminación y un final. O sea, en otras palabras las frases musicales son entidades en movimiento. Y por ende, las podemos expresar y plasmar con nuestro cuerpo antes que con la punta de nuestros dedos. Hay muchas técnicas para expresar música con movimiento, una de las más famosas es Dalcroze.

Adicionalmente, uno de los grandes problemas de los alumnos es no poder encontrar las culminaciones de frase así como la perspectiva de la misma. Esto implica un sin fin de variantes que -como vimos en el anterior punto- van de la mano del canto y de la arquitectura particular de cada obra musical a estudiar.

3.- Tempo vs. agógica.  

Muchas veces confundimos las indicaciones de tiempo con el verdadero carácter de la obra. La contradicción radica -y esto es algo que mis maestros hicieron mucho hincapié a lo largo de mi carrera- en que aún la pieza esté en Allegro (rápido), puede sonar Allegro (alegre) en una velocidad más lenta, y viceversa. Mucho depende de la intención del intérprete. Este concepto lo detallo a profundidad en mi blog ¿Qué hace a la música alegre, o triste?

¿Cómo sentirnos creativos en la agógica musical? Mucho depende de la intención que podamos dar sobre los detalles y matices que la obra comprende, así como la exactitud y proposición de los pulsos a marcar.

Por otro lado, otra cuestión es el hecho de desmentir que tocar lento con diligencia, algún día te va a llevar a tocar rápido. Es algo que también uno de mis maestros hizo mucho énfasis. Al tocar lento, perdemos la perspectiva general de la obra, las frases y los motivos que la componen. Y por ende, tu estudio lento puede no resultar provechoso cuando de música se habla.

Es muy común escuchar hoy en día alumnos e intérpretes que tocan música con tiempos muy distintos (generalmente lentos) a los estipulados por los compositores en sus obras. Tal vez pensando que algún día tocarán rápido sus obras con una velocidad lenta.

4.- Articulaciones.

Las articulaciones en el piano, se refiere a la forma en cómo tocamos determinado pasaje dentro de una obra. Esto es: legato, staccato, portamento, martellato, picado, acentuado, etc. Mismos que vienen acompañados de movimientos específicos de relajación del brazo y la muñeca.

Para entender cada una de las articulaciones de forma natural, hay que comprender cómo se comporta el peso natural de nuestro brazo en función de la frase o motivo que queremos realizar. Esto es, que debe contener una dirección y un sentido específicos que incluso, van de la mano de la respiración corporal misma. Hay muchos ejercicios previos que pueden ayudar a mejorar nuestras articulaciones, mismos que con gusto te pudiera compartir si me dejas un comentario.

5.  Escalas y arpegios. 

Hay que tocar las escalas y arpegios con los mismos fundamentos de las frases musicales que tratamos anteriormente. He visto a lo largo de mi carrera, mucha tensión al momento de abordarlos. Es importante decir, que si no hay una dirección y sentido dentro de su ejecución, el alumno puede tender a tocarlos de forma dura y tensa. Sin duda, la utilización del  peso, junto con movimientos ligeros de la muñeca para distribuir de forma homogénea el peso sobre cada una de las teclas es una de las mejores opciones para lograrlos.

6.- La importancia de la mano izquierda al piano

Comúnmente, escuchamos más a la mano derecha. Tendemos a tener más cerca de nuestro oído las notas más altas de la tesitura musical, olvidando de repente las voces intermedias y graves.

Muchas veces tiendo a preguntar a mis alumnos sobre la mano izquierda sola de determinada pieza, incluso de memoria. ¡Y oh sorpresa! La mayoría de las veces la línea de esta mano no tiene ilación, fluidez, continuidad o idea de frase en general. Muchas veces condicionamos a la mano izquierda a que se “deje llevar” por la derecha.

Esto sí, puede haber ocasiones en que parezca que la melodía general está bien. Pero luego no nos enteramos de que  muchos errores de la derecha pueden venir por no darle a la izquierda su debida importancia. Para tal efecto, constantemente hay que trabajarla sola, son su construcción de frase independiente y timbre particular. Haciendo esto,   vamos a observar un mejoramiento general de la música que estamos tocando. Mis maestros hicieron mucho hincapié en esto incluso para una memorización más segura de una pieza, misma que hablaremos a continuación.

7.- La Memoria al piano.

Muchas veces dicen que la música ayuda a desarrollar la memoria. Infinidad de artículos en internet que hablan sobre los beneficios de la música lo citan, junto con la concentración y la atención. Sin embargo, en mi vida de estudiante y profesional me he topado en su mayoría con amigos y alumnos que especialmente tienen dificultad para memorizar sus obras musicales. ¿Dónde está el beneficio entonces?

El punto aquí, es enfocar la lupa para que el poder de la música nos ayude en nuestro beneficio. A continuación, cito algunas características de una mala memorización que es reforzada con malos hábitos.

  1. Memorizar compás por compás, por no aprenderse las notas.
  2. Memorizar por imitación las posiciones de tu maestro.
  3. Estudiar en “piloto automático”. Esto es, darle pasada tras pasada a tu pieza sin enfocarse en las cuestiones objetivas a mejorar.
  4. Con el “piloto automático” hace que deleguemos toda nuestra capacidad de memoria a nuestra memoria mecánica. Esto, en tiempos de estrés, como en un examen o un concierto, puede ser desastroso.
  5. No involucrar todos los tipos de memoria con que contamos, al piano.

7.1 La memoria consciente.  

Existen varios tipos de memoria involucrados en nuestro aprendizaje. Hay técnicas para que nuestro estudio sea efectivo y más productivo. Lo que más comúnmente pasa es que delegamos toda nuestra atención y concentración a nuestra memoria muscular que se refuerza repetición tras repetición. Esta memoria corre el riesgo de olvidarse en momentos de estrés o pánico escénico. ¿Qué otros factores podemos tomar en cuenta para mejorar nuestra memoria en nuestro instrumento?

¡Contáctame para más información al respecto!

Para conocer a detalle los múltiples beneficios de estudiar piano, así como su historia, te invito a leer el siguiente artículo: Deberías estar tomando clases de piano. ¡Pero aún no lo sabes!

8.- El resorte de nuestra mente

Después de cada clase, siempre les digo a mis alumnos que la mente es como un resorte que hay que estirar. En clase lo estiramos pero en casa se vuelve a encoger. Es por eso que recomiendo ser metódicos con los pasos de estudio, aunque los alumnos digan que “ya me sale la pieza”. Esto incluye la asimilación, disciplina y consistencia de buenos hábitos de estudio que detallo en el siguiente párrafo.

Hábitos de estudio. 

 

Quiero recomendar una serie de hábitos de estudio al piano que pueden hacer de nuestra actividad más placentera, objetiva y en poco tiempo. Muchas de ellas están orientadas a asimilarlas con los pasos que vimos en este post.

  1. Escoger siempre una misma hora determinada del día para tu estudio.
  2. Recordar no estudiar por tiempo, sino por objetivos claros a resolver.
  3. No estudiar en “piloto automático”. Esto es, que por el simple hecho de estudiar, demos pasadas y pasadas a nuestro repertorio sin enfocarnos en pasajes a resolver.
  4. Recordar que si uno resuelve un pasaje, es para toda la vida. No se vale que te salga una vez sí, y dos veces no. Si no nos sale diez veces de diez, puede ser que aún nos falten algunas correcciones para mejorar.
  5. Digitaciones al piano. Muchas veces un error que se ha hecho muchas veces puede ser resuelto por un simple cambio de digitación
  6. Siempre revisar los ritmos correctos. También, muchos errores vienen de no enfocar claramente los ritmos dentro de una pieza.
  7. No olvidar que el piano es un instrumento al que hay que hacer cantar. Nuestras frases musicales y articulaciones van muy ligadas a nuestro principal instrumento que es la voz.
  8. No tocar tiempos lentos, contrario a lo que muchos dicen. Tocar lento nos hace perder la perspectiva de lo que estamos haciendo. Tocamos música, no notas independientes.
  9. Estudiar de forma metódica cada uno de los aspectos vistos en clase de forma independientemente
  10. Recordar que la música está viva. Lo que hacemos hoy, tal vez no nos sirva mañana. Esto es que siempre hay que estar mejorando una obra buscando nuevas perspectivas, caminos, y la opinión de grandes maestros.

Conclusión.

Me gustaría finalizar con el último punto anterior y que siempre ha estado presente en mi mente. Uno no se baña dos veces en el mismo río, lo que sirve hoy, mañana tendrá que cambiar. Esta incesante búsqueda hace que la música se mantenga viva, fresca, cambiante y actual para todas las generaciones que están por venir. La música tiene un mismo significado que se replantea en cada una de nuestras vidas.

Estudiar piano, involucra sumergirse en disfrutar cada uno de los procesos de manera natural. Y como dije al principio, que el propósito siempre sea sentirte creativo, sentirte expresivo y reflejar lo que sientes con sonidos desde tu primera clase de piano.

Antes de irme, me gustaría proponerte un curso especialmente diseñado para niños, en el cual podrás sumergirte junto con los más pequeños al arte del piano. Solo hay que dar clic en el siguiente enlace de afiliado. Hotmart.

Por Ernesto Tonatiuh

Director de la Academia Música Proyecta en Guadalajara, Jalisco, México.

La importancia de la música en la educación infantil.

importancia de la música en la educación infantil

 

“Somos lo que somos con la música y por la música.” Facundo Manes, neurólogo y neurocientífico, en relación a la educación musical.

Si nos detenemos un poco a pensar, la música fue la primera forma de expresión en la evolución del ser humano. Y más aún, el lenguaje hablado fue antecedido por primitivas estructuras musicales. Los sonidos producidos por los primeros homínidos emitían vibraciones de las cuales se originaron las primeras formas de comunicación y de expresión de un sentimiento. De acuerdo con lo anterior, la música está en nuestra esencia porque simplemente representamos vibraciones personificadas. La música ha ido a la par de nuestra evolución y de nuestra naturaleza que, el hecho de entenderla y reconocerla, radica la importancia de una educación en música desde la infancia.

El reconocer a la música como parte natural y espontánea de cada individuo es un aspecto primordial de la educación en cada escuela de música. El objetivo es hacer de ella un lenguaje que permita expresar y transmitir un mensaje dentro del proceso comunicativo. Si existe la fortuna de que este proceso musical se aliente dentro de la infancia, traerá consigo múltiples beneficios cognitivos para los niños y un desarrollo integral muy importante en su educación. A continuación analizaremos la relación positiva de la música con nuestro cerebro, el lenguaje, el movimiento, y cómo ponerlo en práctica.

Precisamente este reconocimiento de la música y el arte como parte natural de cada niño, se tiene que nutrir de múltiples herramientas. Una de ellas es sin duda este curso virtual de “Estimulación adecuada I”. El cual dejo el enlace de afiliado a continuación.  https://hotm.art/AgbT6N8o  ¡No te lo pierdas!

¿Cómo se relaciona el cerebro de un niño con la música?

Ya lo decía Aristóteles 2,000 años atrás. “Los hábitos que adquirimos en la niñez no son banales, de hecho, son fundamentales”. De acuerdo con un artículo de la revista Investigación y Ciencia “los primeros recuerdos y vivencias de la infancia son esenciales para la forja del carácter y repercuten en todo lo que vendrá después.” En este sentido, la música afecta nuestro comportamiento cerebral, el cual tiene más implicaciones en la plasticidad neuronal de los niños. De acuerdo con Barry Goldstein, compositor e investigador, en su artículo menciona que los efectos de la música repercuten nuestro cerebro en cuatro puntos:

  1. Emociones: la música estimula emociones específicas a través de circuitos cerebrales.
  2. Memoria: la música evoca experiencias pasadas y ayuda a mejorar las salud de pacientes con Alzheimer.
  3. Aprendizaje: la habilidad del cerebro para establecer nuevas conexiones neuronales puede ser impulsada por la música.
  4. Atención: la música activa, desarrolla e impulsa la atención en nuestro cerebro.

La experiencia de la educación musical en nuestro cerebro.

La música es de las pocas actividades que hace trabajar los dos hemisferios del cerebro, haciendo que se conecten. También estimula el  desarrollo del cerebelo, que es el encargado de la percepción del ritmo. En los músicos ambos hemisferios del cerebro se encuentran altamente conectados mediante una estructura de fibras nerviosas que se agrupan en algo que se llama cuerpo calloso.

Por otra parte, la música también funciona como un tranquilizador.  De acuerdo con un artículo de la redacción de NatGeo,  habla que la “música actúa sobre el hipotálamo, el núcleo de accumbens y el área tegmental ventral, que activa los centros de recompensa y placer de nuestro cerebro. También estimula la producción de óxido nítrico, una sustancia vasodilatadora; la liberación de serotonina, y ayuda a reducir los niveles de cortisol, la hormona responsable del estrés y la ansiedad.” También, la música tiene la facultad de estimular las neuronas de igual manera con las personas que escuchan música de forma colectiva, dando lugar a una especie de sincronización que puede desembocar en una experiencia o conexión emocional compartida a través del ritmo.

En resumen, la música es un potencializador cognitivo de nuestro cerebro. Cualquier actividad musical puede ser estimulante en cualquier etapa de nuestra vida. Si la música empieza desde la infancia, el trabajo cerebral del niño tendrá más plasticidad neuronal para la asimilación de conocimientos nuevos. Tomar un curso de música, tomar clases de piano, o asistir a una escuela de música puede ser una gran inversión para mejorar nuestra calidad de vida mediante el aprendizaje constante de nuevas cosas.

La música y  su importancia en el lenguaje.

Los niños que escuchan música desde muy pequeños, tienen mejores competencias y destrezas verbales. De acuerdo con Nuria Llavina, experta en divulgación médica y científica, en los primeros años de vida, la música es de vital importancia para estimular las áreas del cerebro relacionadas con el lenguaje, ya que impulsa el desarrollo neurológico activando diversas regiones cerebrales para el “desarrollo cognitivo y psicomotor del lenguaje.

En relación, también comenta que los bebés comienzan a hablar por la repetición de sonidos musicales, y mediante esto empiezan a “construir el lenguaje de forma intuitiva.” En conclusión, la música antecede al lenguaje en nuestras primeras etapas de la vida, mismas que se desarrollan de forma metódica en una escuela de música.

La educación en música, el motor del movimiento.

De las primeras actividades musicales que se realizan dentro de una escuela de música es practicar el movimiento corporal. Uno de los objetivos es el dominio y coordinación de nuestro cuerpo con música, teniendo implicaciones a nivel cerebral y verbal. Algunas de las actividades que se realizan dentro de una academia son las siguientes.

  • Adecuar y mejorar la coordinación del movimiento corporal mediante el ritmo.
  • Desarrollar la improvisación mediante el movimiento.
  • Bailar con música bajo patrones rítmicos.
  • Preparación rítmica para aplicarlo a un instrumento musical y lectura de partituras.
  • Introducción al mundo del solfeo y la teoría musical.

El piano es el instrumento idóneo para la coordinación del movimiento con el sonido. Si es su primer acercamiento musical, no dudes en complementar su formación con este curso: “Curso de estimulación en el piano”, el cual te recomiendo mucho. Puedes adquirirlo haciendo clic en el siguiente enlace de afiliado: Hotmart.

La importancia de la música en la salud.

Desde 1982 cada 21 de junio se celebra el Día de la Música. Desde entonces cada uno de las instituciones médicas del orbe han resaltado los beneficios que trae la música para la salud. Entre ellos se encuentran:

  • Reduce la ansiedad,
  • Ayuda a reducir el dolor
  • Ayuda en desórdenes neurológicos
  • Fortalece el sistema inmunológico
  • Protege el envejecimiento cerebral
  • Combate el dolor de cabeza
  • Reduce la presión arterial.

¿Cómo poner en práctica la educación musical junto con todos sus beneficios?

  1. Conoce los programas de alguna escuela de música o academia con la que te identifiques.
  2. Toma clases de música con algún maestro particular.
  3. Elige el instrumento musical que más te guste.
  4. Lee artículos para empaparte del mundo de la música.
  5. No pierdas la oportunidad de percutir ritmos en donde sea y con lo que tengas a la mano.
  6. Canta, o toca un instrumento de forma habitual.
  7. Baila un poco cada día.
  8. Escucha tu música preferida.

Si tu hij@ ya domina ciertas cuestiones musicales, es momento de que escoja su instrumento. Para comenzar este acercamiento, te recomiendo el “Curso de Piano para niños”. El cual podrás acceder haciendo clic al siguiente enlace de afiliado: Hotmart.

Conclusión.

Es muy importante desde las primeras etapas de la infancia impulsar una buena educación musical. Como vimos, la música es parte de nuestra naturaleza y constituye nuestra esencia como seres humanos. Es por eso que nuestra labor como maestros y padres de familia es reconocerla e impulsarla para que el desarrollo del niño sea integral. La música antecede al lenguaje, al movimiento y trae muchos beneficios a la actividad cerebral que impacta todas la áreas de nuestra vida.


Por Ernesto Tonatiuh

Director de la Academia Música Proyecta.

 

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*Atribución de la imágen principal

 

 

La escuela de música para niños. Un espacio de experiencias creativas. 

la escuela de música un espacio de experiencias creativas

La escuela de música para niños es un laboratorio de experiencias creativas: vivencias, creaciones y expresiones llenas de realización personal. En la escuela de música se fomenta la experimentación porque se asocian de diversas formas -mediante ejercicios y actividades- elementos conocidos: el ritmo, el movimiento, el canto, y los instrumentos, con el objetivo de crear algo nuevo y personalizado que pueda estimular artísticamente al alumno para que su aprendizaje sea significativo e impacte todas las áreas de su vida.

En el aprendizaje musical significativo (en relación con la teoría de David Ausubel), el alumno tiene que contar con la ayuda de dos componentes básicos: el maestro y los padres de familia. Ambos elementos cumplen la función de guías, mediadores del conocimiento nuevo que el alumno va integrando mediante su experiencia previa. Siendo al mismo tiempo  motivadores, y encauzadores del desarrollo del alumno.

Dentro de las clases de música se asocian experiencias conocidas -y relevantes-  con elementos musicales nuevos para los alumnos, integrándolos mediante historias, dibujos, actuaciones, bailes, sonidos, ritmos, cantos, instrumentos y obras musicales de distintos tipos. Siendo este tipo de aprendizaje, la base de una educación musical integral.

En resumen, la escuela de música es un motor y un generador de experiencias creativas y conceptos nuevos bajo un ambiente conocido y familiar, cuyo objetivo es el aprendizaje sistemático del alumno. Actualmente, la música ha pasado a formar parte de una educación integral holística y un derecho en el desarrollo de cualquier individuo. Pero, ¿cómo llegamos a lo que tenemos hoy en nuestras escuelas de música? Todo esto tiene una historia por contar.

¿Cómo se enseñaba antes las música a los niños?

La historia de la música dicta que el ser humano ha organizado los sonidos desde el inicio de los tiempos. Es algo que ha ido de la mano con la evolución del hombre. Griegos y romanos crearon sus propias construcciones sonoras que ahora llamamos “modos.” Sin embargo, no había una escuela de música para niños como tal, sino las clases de música se impartían en torno al arte dramático, a los poemas y los cantos sagrados. Posteriormente, en la Roma de la edad media, se funda la Schola Cantorum que es considerada una de las primeras instituciones de enseñanza musical en el mundo.

Durante el Renacimiento y el Barroco, se les llamaron escuelas a las diversas tendencias para hacer música. La particularidad de estas escuelas es que no eran  espacios de enseñanza, sino una corriente estilística y de pensamiento en torno a la música. Una de las primeras instituciones musicales de enseñanza que conocemos se fundó en Roma, “L’accademia Nazionale di Santa Cecilia” durante el Renacimiento. El término “conservatorio de música” no se usó hasta el siglo XVI, y viene de los orfanatos (conservati- guardar) donde los niños recibían instrucción musical.

A pesar de la proliferación de las escuelas de música durante el Renacimiento y el Barroco, no era muy común el estudio en estas instituciones. Cabe aclarar que ni Haydn, Mozart o Beethoven estudiaron en escuelas, sino el arte se transmitía por familia de generación en generación, o en los coros e iglesias. El primer conservatorio se funda en París, en 1795, y según la biografía de varios compositores del período Romántico, no fue común estudiar en conservatorios sino hasta mediados del siglo XIX.

Diferencias entre escuela y academia de música.

Según el diccionario de la Real Academia Española, las definiciones entre academia y escuela tienen las siguientes diferencias.

Academia: Establecimiento docente, público o privado, de carácter profesional, artístico, técnico, o simplemente práctico.

Escuela: Establecimiento o institución donde se dan o se reciben ciertos tipos de instrucción.

De acuerdo con un artículo de la BBC de Londres, en otro rubro, las academias tienden a ser centros de enseñanza que no obtienen ningún tipo de subvención por parte del Estado. En esencia, las academias tienen más libertad en cuanto a sus finanzas, currícula,  maestros, y formas de pago. Mientras que las escuelas, en su estricto nombre, sí siguen una currícula y subsidio por parte del estado. Si bien para la educación musical puede haber de ambos tipos, muchas veces se funde su significado en las búsquedas de internet. Por otra parte, el término conservatorio está relacionado con ser un centro educativo enfocado exclusivamente en las artes.

La escuela de música ideal.

En palabras de mi autoría, una escuela de música para niños ideal es un espacio que fomente el desarrollo del lenguaje musical con el cual el alumno pueda sentir, expresar y comunicarse de una forma en particular. Una escuela que fomente la organización de los elementos musicales para la transmisión de un mensaje con el cual se pueda expresar libremente y pueda ser entendido por su círculo social cercano.

Existen diversos métodos, previamente diseñados que ayudan a que la enseñanza musical sea integradora y didáctica. En esta ocasión sólo los mencionamos, ya que requiere otro espacio para su explicación. Próximamente hablaremos más de ellos a detalle en otra entrada de mi blog.

  • Método Dalcroze
  • Método Kodaly
  • Método Martenot
  • Método Willems
  • Método Montessori
  • Método Orff
  • Método Suzuki

Educación musical en línea. 

Actualmente, debido a la pandemia se han implementado varias opciones de enseñanza en línea que van de la mano con las circunstancias que nos ha tocado vivir. Esto ofrece varias ventajas en el momento de implementar herramientas para que la formación musical siga acumulando experiencias creativas en un entorno educativo.

¿Cómo implementar experiencias creativas en la educación musical en línea?

  1. Propiciar un entorno adecuado: buena conexión a internet, y contar con un instrumento musical.
  2.  Que sea interactivo: que alumno pueda ver varias tomas del entorno al mismo tiempo.
  3. Fomentar la interacción: que el alumno participe con los demás miembros de su equipo de forma virtual.
  4. Establecer un método musical: escoger el material adecuado que abarque un curso integral de música.
  5. Que participen los papás ayudando a los alumnos a desarrollar sus tareas y actividades.
  6. Implementar material audiovisual que complemente las clases: canciones, imágenes, y vídeos que ellos puedan ver desde sus dispositivos.

En resumen, una clase en línea no tiene que ser la misma que se da de forma presencial. Podemos aplicar varias funciones y herramientas que complementen nuestro trabajo para que sea más entretenido y divertido para nuestros alumnos.

Te invitamos a leer el artículo: La música es la mejor inversión que puedes hacer durante esta cuarentena. 

Beneficios de la música en los niños.

Dentro de las experiencias creativas  de una escuela de música los beneficios que genera en los alumnos son múltiples. No importa si los niños no se dedican a la música en un futuro, la música es un derecho que se tiene que llevar a la par porque potencializa su vida con diferentes beneficios.

Algunos de los beneficios de la música son:

  • Aumenta  la capacidad de memoria y concentración en los niños.
  • Mejora la habilidad de razonamiento crítico.
  • Al aprender un nuevo lenguaje, establece nuevas posibilidades de expresión.
  • Desarrolla el lenguaje verbal y los significados de las palabras.
  • Fomenta el trabajo en equipo y la cooperación.
  • Estimula la creatividad y la imaginación.
  • Estimula la motricidad al hacer movimientos con música.

Véase también 10 beneficios de la música durante la pandemia.

Conclusión.

En la escuela de música los niños aprenden un lenguaje, una posibilidad más de expresión y de transmitir lo que ellos sienten. Este lenguaje les brinda herramientas creativas para realizarse y para transmitir un mensaje con los sonidos que generamos. La combinación y experimentación con nuestras experiencias creativas son las que nos ayudan a enriquecer nuestro aprendizaje y plasmarlo en todas las áreas de nuestra vida. La música es un derecho universal.

“La música da un alma al universo, alas a la mente, vuelo a la imaginación y la vida a todo.” Platón.

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Imagen principal:

<a href=’https://www.freepik.es/fotos-vectores-gratis/musica’>Vector de Música creado por pch.vector – www.freepik.es</a>

 

Café y música. Una combinación histórica.

café y música

El café y la música siempre han ido de la mano. Desde la llegada del café a Europa,  establecieron una conexión profunda que ha originado una combinación perfecta a lo largo de la historia. Se complementan, se inspiran, han crecido y desarrollado a la par. No se puede entender un estudio exhaustivo de la historia de la música sin tomar en cuenta el factor del café. Han hecho época juntos y de ellos se han derivado las más grandes creaciones de la cultura universal. 

¿Qué tienen en común la música y el café?

Desde la creación de la primera cafetería en Londres en 1652, su aroma se fue extendiendo por varias ciudades europeas y americanas; y con ello, el lenguaje universal de la música, las charlas, la cultura, y el pensamiento crítico. En París, frente a la Comédie-Française, el Café Procope ha sido a la fecha uno de los puntos de congregación de intelectuales y artistas desde 1686. Se dice que dentro de sus puertas se gestaron obras como La Enciclopedia de Diderot, o los esbozos de la constitución de los Estados Unidos, por Benjamin Franklin. De acuerdo con Gérard-Georges Lemaire (1), aquí se fundaron los primeros cafés literarios, donde Voltaire, Rousseau, y Diderot eran “habituales contertulios.” y grandes consumidores de café. Las ideas de libertad, igualdad, y fraternidad, que se respiran en este café se hacen sentir en los grandes cafés del mundo. Donde el optimismo, energía, bienestar, y libertad de expresión con cada sorbo de café invitaban a la reunión, debate, creatividad, contraste, y revolución, en un  período de grandes cambios conocido como La Ilustración. 

La música no fue la excepción. Uno de los rasgos distintivos de este periodo fue la gran cantidad de productividad de los compositores de esta época. De acuerdo con John A. Rice (2) acuerda que no es coincidencia que en el siglo XVIII haya habido esta “maniaco-intelectual-creatividad artística.” Misma que fue precedida por la introducción a Europa de esta “droga” del café. Bach, Haendel, Telemann, Mozart, Haydn, Beethoven por mencionar algunos, fueron grandes consumidores de esta bebida. Y de acuerdo con el autor, su prolificidad y creatividad se la deben al café. 

El famoso Café Zimmermann

En Leipzig, el célebre compositor Georg Philipp Telemann funda el Collegium Musicum una sociedad musical de estudiantes universitarios que se reunía en el Café Zimmermann, fundado por Gottfried Zimmermann en 1715. En este lugar se tocaba música profana instrumental y vocal por placer y diversión mientras se tomaba una taza de café. Es aún más famoso porque en 1729 J. S. Bach toma la dirección del Collegium Musicum. Aquí se estrenaron varios de sus famosos conciertos de teclado, música instrumental así como la famosa Cantata del Café (ópera cómica), música secular que habla en tono jocoso de la adicción al café. En el texto de Picander se pueden apreciar frases como:  «Si no pudiera, tres veces al día, beber café, mi pequeña taza de café, en mi angustia me convertiré en un reseca cabra asada» Recordemos que Bach no compuso óperas, pero esta cantata es una fiel representación del estilo. 

De acuerdo con Rice, Bach celebraba los placeres del café en esta Cantata de 1732. También apunta que entre sus posesiones al momento de su muerte en 1750 sugiere que en su vida privada tomó parte devotamente y con entusiasmo en la cultura del café de Leipzig. En su testamento incluía “1 olla grande de café, 1 olla pequeña, 1 tetera grande, 1 plato para café, 1 olla de cobre grande, 1 olla pequeña de cobre, 1 olla miniatura de cobre, y una charola de cobre para café,” Entre otros instrumentos para la elaboración de té y chocolate.

Los invito a escuchar esta interesante representación dramática musical de la obra: La Cantata del Café.

https://www.youtube.com/watch?v=B6Loyexw3uk

El anecdotario musical

Son innumerables las anécdotas por la predilección del café a lo largo de la historia. Son tantas que  seguramente tendré que escribir una segunda entrega de este blog para relatarlas todas. Una de las anécdotas musicales que más me gustó en esta búsqueda es la que relata Anton Schindler -uno de los primero biógrafos de Beethoven- y citada también en el artículo de Rice, dice:

Para desayunar preparaba él mismo su café en una cafetera de cristal. Parecía ser que el café era su más indispensable forma de nutrición. Lo preparaba con el mucho esmero y cuidado. Sesenta granos de café eran calculados como la medida correcta para cada taza, y usualmente los contaba, especialmente si había invitados presentes. 

Este es tan solo un ejemplo de los que me he encontrado. Sin embargo es sabida la utilización de esta bebida dentro del ambiente cultural en músicos como Liszt, Brahms, Schumann o Mendelssohn. Quienes lo hacían parte de su vida cotidiana  como un potencializador creativo y artístico. 

Nuestro cerebro con la música y el café. 

Ya que hablamos de la sinergia que existe entre la música y el café, creo que es importante fundamentarlo también desde su perspectiva científica para que nos pueda ampliar aún más el panorama de su conexión. Es importante ver qué pasa en nuestro cerebro cuando consumimos café, de igual manera cuando escuchamos o creamos música. De acuerdo con un artículo de la CBC la música y el café son elementos que liberan dopamina en nuestro cerebro. Un neurotransmisor relacionado con la motivación y el deseo, mismo que hace que repitamos conductas agradables que contribuyen a nuestra felicidad, optimismo y creatividad.

El café y la música, al ser dos elementos que generan dopamina (entre otras sustancias igual de importantes), su vínculo que existe se complementa, se hace más fuerte y se potencializa. Es por eso que los impulsos creativos, de energía, de optimismo y bienestar hacen que queramos repetir una y otra vez esta experiencia. 

Para leer más puede visitar este artículo. Which one is more energizing: coffee or music?

Conclusión

No es para nada descabellado pensar que el consumo habitual del café, y su distribución a lo largo y ancho de las mayores ciudades europeas haya contribuido a generar el inicio de los grandes cambios sociales y artísticos que hoy disfrutamos. Por todo lo que representa, desde sus aportaciones nutricionales hasta ser un factor de convivencia, creación y cambio, el café llegó para quedarse, con sus aromas de optimismo y bienestar. Dicho esto, los espero en mi siguiente entrega del Café y la Música donde nos enfocaremos en los hábitos en torno al café de los grandes compositores de la música.

Por Ernesto Tonatiuh

Director de la Academia Música Proyecta

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Referencias

1.- Lemaire Gérard-Georges. I caffè Letterari. Milano: Bibliotechne, 1988.

2.- “Music in the Age of Coffee – John A. Rice, History of Music.” Google Sites. Accessed June 2, 2020.

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