Aprender un arte en línea. Las escuelas de música online en 2022.

Escuelas de música online.

La educación a distancia. Una posibilidad en 2022.

Desde la llegada de las nuevas tecnologías, el sistema educativo ha migrado parcial y progresivamente al internet, sin embargo las escuelas de música online demoraron más que el resto en hacerlo. Por la naturaleza de la materia, el aprendizaje a distancia no fue una realidad sino hasta hace poco tiempo.

Tener un podcast en una plataforma de streaming.

Con el avance del internet, universidades de alto nivel en todo el mundo adecuaron sus planes de estudio a la modalidad virtual. La oferta académica contemplaba desde cursos de especialización y diplomados, hasta maestrías y doctorados. Encontrar licenciaturas en línea siempre fue algo complicado, pero, cursar un posgrado ha sido factible desde hace varios años. Dirigidos a profesionistas que por lo regular tienen poco tiempo, los posgrados virtuales fueron una vía de fácil acceso para el perfeccionamiento de la técnica y la ampliación de los conocimientos adquiridos en una licenciatura.

Los dispositivos electrónicos dejaron de ser un signo de exclusividad hace algunos años. Con el auge de los avances tecnológicos, la demanda creció a tal medida que los precios se mantuvieron accesibles para la mayoría de la población. Lo anterior hizo posible que frente a la pandemia por Covid- 19, la educación básica migrara completamente a la modalidad virtual. Imaginemos qué habría pasado si la pandemia que se presenta desde el 2020, hubiera tenido lugar 20 años atrás. Tendríamos un panorama tan poco favorable, que se habría reflejado en un rezago significativo en la educación.

Escuelas de música online, ¿oportunidad?

Dada la naturaleza de la música, estudiarla en línea podría enfrentarnos a diversas complicaciones. Cuando hablamos de escuelas de música online, es importante destacar que nos referimos a una oferta educativa que involucra todas las materias que tengan alguna alguna posible relación con con la música. Las materias de teoría, pedagogía, armonía, historia, apreciación y tecnología musical, podrían desenvolverse sin problemas y hasta de manera favorable en línea.

marketing y música.

La situación es muy distinta cuando hablamos de clases de ejecución (instrumento, música de cámara, etc). Ahí encontramos limitantes en los diferentes pilares de lo que significa una clase de instrumento, como en la imagen, el sonido y el contacto físico. Dentro de la imagen podríamos sentirnos condicionados a la baja calidad derivada de las fallas del internet, el marco de visión y enfoque de las cámaras, ya que son muy reducidos. Otra de las desventajas con la imagen es la ralentización de los movimientos, por lo que las explicaciones podrían ser un poco confusas al no comprender en tiempo real, el ejemplo.

Aunque la imagen es uno de los pilares de las clases, en las escuelas de música online nos preocupa más el recurso del sonido.

Se escucha terrible y no es la falta de estudio ¿qué puedo hacer?

Cómo compartimos anteriormente, lo primordial a la hora de aprender sobre música es el sonido, para esto tenemos una serie de recomendaciones. Lo primero que debemos cuidar es situarnos en una zona donde, de ser posible, no se filtre el ruido de nuestra casa o sonidos externos a ella. También, habrá que elegir un lugar con poca reverberación o eco, para favorecer la captación de los sonidos. En lo personal, podría recomendar un espacio donde la tela sea abundante, tu recámara podría ser un buen escenario al “limpiar” el sonido a través de la alfombra, cortinas y ropa de cama.

En algunas aplicaciones, tenemos disponible “activar el sonido real”. Esta herramienta, puede ayudarnos a escuchar el sonido lo más fidedigno posible a la versión “en vivo”. También, si está dentro de tus posibilidades, podrías adquirir un micrófono que puedas ubicar cerca a tu instrumento. Si no es posible adquirir un micrófono pero tienes a tu alcance dos dispositivos (por ejemplo laptop y celular) puedes utilizar uno como micrófono y otro como cámara. Esto último te permitirá tener más soltura y fluidez al estudiar en una escuela de música online.

La oportunidad de estudiar en las escuelas de música online.

Estudiar a distancia ha permitido, sobre todo en los últimos dos años, que la educación continúe avanzando. En las escuelas de música online, además de permitir el progreso, abre un mundo de posibilidades a los estudiantes. Una de las mayores ventajas de las escuelas de música online, son el acceso al profesor(a) de tu preferencia. Anteriormente, he experimentado la necesidad de conocer y aprender de maestras y maestros que no radican en mi ciudad o país, y las clases en línea han sido la respuesta en esas situaciones. Teniendo la posibilidad de ser una estudiante foránea, he optado por la opción de la virtualidad para disminuir costos de traslado y hospedaje.

cursos de música online

Una ventaja de la virtualidad, es su apuesta por las herramientas novedosas que permiten la experimentación del alumno con la música en diferentes escenarios. El maestro cumple una función vital en la explotación de todos estos recursos virtuales. A la mayoría de ellos podríamos acceder compartiendo nuestra pantalla. Podemos hacer llegar a nuestros estudiantes videos, juegos, tests, o simplemente analizar sus propias ejecuciones con videos pregrabados.

 

Una modalidad virtual en ascenso.

Las escuelas de música online no deben verse de manera dicotómica, es decir, no todo es positivo o negativo en ellas. Sin embargo, debemos reconocer que el potencial de esta nueva herramienta es prometedor. Si queremos eficientar traslados, economizar tiempo y dinero y, sobre todo, estamos listos para una nueva forma de aprender, es una opción adecuada. Como maestros debemos ver la conveniencia de llegar a más personas desde nuestro hogar, de contar con más recursos de lectura, escritura y práctica para nuestros estudiantes. 

Además podemos agendar desde una clase en la escuela de música online, sin que el balance entre inversión (de tiempo y gastos) sea mayor que el ingreso económico recibido.

Sí, la educación virtual tiene defectos pero las clases presenciales también los tienen. Debemos enfocarnos en trabajar las deficiencias de la educación virtual para mejorar nuestra experiencia aprendiendo en las escuelas de música online.

 


Jocelyne Castellanos.

Violonchelista y creadora de contenido artístico y musical.

 

Foto de Ordenador creado por master1305 – FreePik.

¡Deja de bostezar! Haz de tus clases de música toda una experiencia creativa.

¡Haz de tus clases de música toda una experiencia creativa!

“La música es para el alma, lo que la gimnasia es para el cuerpo” Platón.

La docencia musical. 

La docencia musical es una de las actividades más relevantes que desarrollamos los músicos. Transmitir el conocimiento musical es compartir una relación que ha coexistido con el ser humano desde el inicio de su evolución, mediante las vibraciones que han dejado huella en nuestro entorno. Como veremos en este blog, la enseñanza musical es de suma trascendencia, no solo por su valor cultural, sino por su valor pedagógico y psicológico, ya que la música impacta e impulsa positivamente todas las áreas de nuestra vida. Esta correspondencia musical se puede lograr mediante un desarrollo eficiente de nuestra labor en las clases de música.  

Así mismo, la docencia musical, hoy en día es un ámbito en el que se desenvuelven la gran mayoría de los músicos. Es una de las principales fuentes de ingresos y una forma de lograr estabilidad económica. Aún si tú te desenvuelves en ámbitos como la interpretación, composición y producción musical, el dar clases de música -ya sea de manera privada, virtual o en escuelas y academias de música- tiene que ser una de tus primeras opciones a considerar cuando decides dedicarte a la música.

El mercado de las clases de música

Según cifras del INEGI (México 2015) habitan en el país más de 25 millones de niños y jóvenes entre los 5 y 19 años, quienes representan aproximadamente el 23% de la población.  Mismo son uno de los públicos potenciales de nuestra actividad. Siendo las clases de música, un mercado con potencial crecimiento.

En relación con lo anterior, y según el gasto monetario de las familias de acuerdo a cifras del INEGI (2018), se destina a la educación de los hijos más que a otros rubros como vivienda y salud, y ligeramente abajo de los gastos en alimentación.

Entonces, si nosotros sabemos abordar y proyectar de manera óptima y eficiente nuestras campañas publicitarias para nuestras clases de música: reflejando los beneficios de este arte y el desarrollo personal del alumno, podemos acceder a un mercado muy interesante y en pleno crecimiento. Donde los padres de familia están en condiciones de pagar una educación de calidad para sus hijos.

Tomando en cuenta estas estadísticas, el mercado de las clases de música –por el público potencial que maneja- puede ser muy solicitado y de gran demanda. Ya sea en cualquiera de sus modalidades: academias de música, escuelas de música, clases de música a domicilio, o clases virtuales de música.

Ahora bien, para poder ser maestros de música y ofrecer un servicio de calidad a nuestros alumnos, necesitamos tener ciertas competencias profesionales y artísticas, mismas que trataremos a detalle en este blog a continuación. Hay que recordar que nuestra propia educación y preparación musical, será nuestra mejor herramienta para conocer todas las posibilidades de la educación musical y abordar nuestras clases de acuerdo a los cambios de nuestro entorno.

¿Qué herramientas y conocimientos debe tener un maestro de música?

 

Dentro del ámbito musical, es bien sabido que un gran concertista o intérprete no es necesariamente el mejor maestro de su instrumento. No es muy común ver maestros con ambas herramientas artísticas y pedagógicas, ya que estas cualidades no siempre van de la mano. O bien, también existe el caso de que pueden ser muy buenos maestros e intérpretes pero, por su intensa actividad de compromisos y conciertos, ven muy de vez en cuando a sus alumnos.

Muchos concertistas e intérpretes se han desarrollado tanto en las habilidades propias de su instrumento, que han dejado de lado el cómo transmitir y comunicar sus enseñanzas musicales. Muchas veces carecen de una metodología, o seguimiento de un proceso que abarque todo el estudio del arte musical. Por otro lado, también existe la otra cara de la moneda, cuando el maestro de música carece de los conocimientos, competencias y experiencias propios de un desarrollo artístico completo que se requieren para un repertorio que va a examinar.

Lo ideal es que los maestros puedan tener un justo balance entre una vida profesional y una base pedagógica con sus alumnos. Curiosamente, no es algo que se enseñe a detalle en las escuelas de música profesional (a menos que tu carrera sea “pedagogía musical”).

Para tal efecto, ofrezco una perspectiva sobre una serie de herramientas y competencias para el desarrollo de la docencia musical que pueden ser implementadas en las clases de música de cualquier área. Estas pueden ser técnicas, artísticas, pedagógicas y psicológicas. Mismas que te serán de mucha ayuda para que  seas un maestro completo en todo sentido. ¡Vamos a por ello!

Habilidades técnicas musicales.

¿Cuáles son las habilidades técnicas de enseñanza musical?

Esto es, que el maestro tiene que tener cierto grado de dominio y competencias técnicas sobre su instrumento que va a enseñar. A su vez, estas tienen que estar por muy encima del nivel musical que va a impartir y tienen que contener un grado de experiencia y visión adicional. Esto último, es poder comunicar al alumno varias formas posibles para la resolución de los problemas de su repertorio, tanto a nivel artístico como técnico. O más bien dicho, transmitir desde diversos ángulos nuestro conocimiento con el fin de que el alumno adquiera y comprenda los conocimientos.

Para tal efecto, el maestro puede contar con los siguientes competencias:

  • Tomar clases magistrales con diversos maestros que sean autoridad tu instrumento.
  • Ejecutar tu repertorio en diversos escenarios y ante públicos distintos.
  • Hacer uso de métodos de grabación para escuchar y difundir tus obras.
  • Tener herramientas técnicas, estudios, ejercicios o calentamientos para atacar de diversos ángulos las obras musicales con el alumno.
  • Tener una amplia referencia de grabaciones y artistas.
  • No perder la práctica dentro de tu instrumento.
  • Siempre estar innovando y estudiando repertorio nuevo.

Por otra parte, podemos enumerar dentro de las habilidades técnicas, el control que se tenga sobre la clase, los procesos de aprendizaje, y la planeación de la misma, ya sean estas de manera grupal o individual.

  • Dinámicas de interacción con el maestro y el alumno.
  • Control del grupo.
  • Sección de preguntas y respuestas.
  • Explicación de las actividades.
  • Trabajar los problemas técnicos desde diversas perspectivas.
  • Tratar a los alumnos de manera individual y personalizada.

Más adelante vamos a analizar algunos consejos sobre la planeación y estrategias psicológicas de manera específica.

Habilidades artísticas musicales.

En cuanto a las habilidades artísticas, estas se refieren a cómo apoyamos e incentivamos a nuestros alumnos a ser creativos y expresivos con la música que están tocando. También es sobre cómo hacemos la experiencia del alumno dentro del salón de clases. Ya sea si esta es monótona y rígida; o amena, divertida, experimental y creativa.

Ante esto, hago el siguiente esquema.

  • En clase de música ¿cómo hago que el alumno se exprese con la música?
    • Esto puede ser mediante juegos, cantos y actividades relacionadas con la música a tocar.
  • Que el alumno se sienta creativo dentro de la clase.
    • No imponer nuestras ideas directamente, sino tratar de que el alumno saque sus propias conclusiones a lo largo del proceso.
    • No negar las actividades que ha realizado el alumno de tarea. Valorar y hacerle ver las cosas positivas de su trabajo (aún cuando no haya estudiado).
    • Dejar que el alumno experimente con sus piezas musicales dentro del salón de clases.
    • Llevar de la mano al alumno para que él mismo haga sus correcciones de acuerdo a una metodología. (Ej: primero ritmo, pulso, digitaciones notas; posteriormente frases, dinámicas, etc).
  • Que el alumno sienta que no viene a que le digan qué es lo que tiene que hacer. 
    • El alumno no tiene porqué sentirse validado ante su maestro, ni tampoco sentir que las cosas sobre las que no tiene nuestra aprobación no serán válidas.
    • Para tal efecto, es importante valorar al alumno por el trabajo que realiza y cómo va sintiendo la música, para nosotros poder corregir sobre la emoción positiva que va generando nuestra clase.

La frase de todo alumno: “En mi casa sí me salía.”

En relación a las habilidades técnicas y artísticas, me gustaría abordar una cuestión que muchas veces causa frustración en los alumnos. Lo hemos experimentado todos como maestros, y es un aspecto que puede generar incomodidad dentro de la clase. Esta es la frase “en mi casa sí me salía”.

Esta se pueden suscitar cuando el alumno:

  • Cambia de instrumento.
  • Se siente tímido o nervioso ante su maestro.
  • No se estudió lo suficientemente bien.
  • Reforzó errores en el momento de su práctica.

En casa, el alumno se encuentra en un entorno donde se siente libre, y por ende puede expresarse sin temor a remordimientos o reclamos. Es por eso necesario generar un ambiente cómodo, donde el alumno pueda crear y expresarse con libertad. Para que esto suceda podemos también integrar:

  • Enseñar a estudiar al alumno paso a paso y de forma metódica, sin que esto pierda su alegría y diversión.
  • Incentivar a los padres de familia a que estudien con los niños. Para esto es necesario una comunicación muy cercana sobre los procesos de aprendizaje.
  • Trabajar sobre el material que el alumno lleva a la clase. Preguntarle con qué repertorio le gustaría comenzar a practicar.
  • Incitar a que el alumno se equivoque y no reprimir por ello. Cuando vemos los errores como algo normal y natural, perdemos el miedo a cometerlos.

Sin duda, estos últimos puntos  son un proceso complejo y difícil de abordar, pero si lo logramos estaremos creando en nuestro salón de clases un ambiente propicio para que el alumno se desenvuelva con libertad y aprenda a expresarse con la música. 

Para leer más sobre el tema te recomendamos “¿Cómo estudiar al piano? Cambia tu estrategia”

Habilidades pedagógicas y  didácticas.

La pedagogía está relacionada con las técnicas y metodologías  de enseñanza, y sobre cómo el individuo aprende e incorpora sus conocimientos.

En este sentido, la pedagogía se adapta a cómo aprenden las personas, ya sea de acuerdo a sus habilidades individuales, como dentro de su entorno cultural. También está relacionada sobre cómo y con qué metodología hacemos nuestra enseñanza musical, ya sea si esta es de índole teórica o práctica. Y a su vez, que esta pueda ser una metodología integral o específica.

Aquí mencionamos algunos métodos de acuerdo al acceso o acercamiento que tienen hacia la enseñanza de la música. En este blog no tratamos cada metodología a detalle, pero sin duda es un mundo al que uno como maestro puede acceder para hacer de sus clases toda una experiencia creativa. 

  • Dalcroze
  • Kodaly
  • Martenot
  • Willems
  • Montessori
  • Orff
  • Suzuki

Habilidades psicológicas.

 

Estas habilidades psicológicas musicales van de cajón junto con cada metodología de las habilidades pedagógicas. Ya que las primeras hacen que también puedan potenciar el crecimiento y desarrollo personal del alumno.

Para ello, me gustaría recomendarte una serie de competencias psicológicas que puedes aplicar directamente con tus alumnos.

    • Motivación: Es algo que comprende no sólo de impulsar al alumno y decirle  “échale ganas.” Sino la motivación también puede venir desde escoger correctamente el repertorio del alumno, enseñarle cómo estudiar sus piezas, no enojarse con el alumno cuando no estudia y tratar de fidelizarlo con la comunicación con los padres de familia.
    • Empatía: conocer que alumno tal vez tiene otras responsabilidades durante la semana, y el venir a clase de música puede ser un desahogo para él o ella.
    • Comunicación: Esto es con los alumnos y padres de familia durante todo el proceso de aprendizaje. Estar al pendiente de sus asistencias y faltas, de mostrar a los padres de familia el avance, así como enseñarlos a estudiar con el alumno (sobre todo cuando es pequeño) y que la comunicación artística sea responsabilidad de tres. De los padres de familia, del maestro y del alumno.
  • Manejo emocional: Sin duda, la música es un trabajo emocional constante. Hay que manejar nuestras propias emociones para ser capaces de manejarlas dentro de la obra musical que vamos a tratar. Adicionalmente, el manejo de la frustración, el fracaso y el éxito, serán elementos muy importantes para trabajar.
  • Análisis: La capacidad de análisis y síntesis son elementos que se trabajan para poder comprender una obra musical. Concebir, planear, esquematizar, y memorizar nuestro trabajo.

La inteligencia musical. 

Para finalizar esta sección, me gustaría citar a  Howard Garndner, en relación a su teoría de las “Inteligencias Múltiples”. En ella, habla de que la inteligencia en las personas se puede dividir en “conjuntos autónomos” que dependen de tres factores, que son: biológico, la vida personal del ser humano, y factores culturales e históricos.

En relación a esto, él define una de las inteligencias como “Inteligencia musical”. Algunas de sus características son las siguientes:

  • Capacidad para distinguir sonidos
  • Expresarse con música.
  • Facilidad para cantar, componer y crear con música.
  • Distinguir sonidos del entorno
  • Tener el gusto por escuchar música.

Para potenciar dichas cualidades, el autor propone, a su vez, estas actividades:

  • Aprender algún instrumento musical.
  • Tomar clases de música en general.
  • Asistir a conciertos.
  • Cantar la música que te gusta.
  • Bailar.

Lo interesante y magnífico de la inteligencia musical, es que está íntimamente relacionada con las otras inteligencias. Esto quiere decir que potencia las demás áreas del individuo y ayuda a que se desarrollen de la mejor manera.

Te invito a seguir leyendo sobre el tema con esta entrada de mi blog: “La importancia de la música en la educación infantil”

¿Cómo escoger el método adecuado para mis clases de música?

Sabemos, de entrada, que todos aprendemos de maneras distintas. Unos son visuales, auditivos, kinestésicos, etc. Y también, los alumnos aprenden de acuerdo a su edad, ya que no aprende de la misma forma un adulto que un niño. Y más aún, todos tenemos ritmos y formas distintas de aprendizaje. Lo que funciona para un niño, para otro tal vez no.

Todos estos retos son los que tiene que solventar un maestro de música. Diversificar los accesos para que un alumno pueda llegar a los resultados deseados. Esto se puede lograr con un análisis de los distintos métodos de educación musical. 

Para facilitar tu análisis, te podemos recomendar algunos puntos importantes a considerar:

  • Personaliza tu clase para cada edad y  nivel de aprendizaje.
  • Haz un análisis de los métodos disponibles en el mercado que más se adapten a las necesidades del alumno.
  • Emplea una valoración para ver en qué nivel puedes acomodar a tu alumno, de acuerdo a su experiencia previa.
  • Sistematiza tus clases con los métodos que más te acomoden.

Ahora bien, ya que tenemos a la mano el material a utilizar tenemos que planear y preparar nuestras clases como veremos a continuación.

Planifica tus clases de música.  

Es muy importante tener una planeación a corto, mediano y largo plazo sobre las actividades a realizar. Una buena planeación y control hará que tengas objetivos claros con tus alumnos y emplees todo el material que tengas disponible.

Para esto, te hago algunas recomendaciones:

  1. Traza objetivos a lograr por tiempos definidos. Esto es cada semana, cada mes o cada ciclo o cada fin del método musical que hayas escogido.
  2. Identifica las formas de aprendizaje de cada uno de tus estudiantes. No pienses que todos sigan parejo.
  3. Haz una comparación bibliográfica y ten material complementario disponible para tus alumnos.
  4. Diversifica y ameniza tus clases con imágenes, vídeos, bailes, juegos, cantos.
  5. Evalúa los progresos de cada clase de acuerdo a los objetivos estipulados.
  6. Ten una comunicación muy cercana con los padres de tus alumnos para valorar sus procesos de aprendizaje.

Estos puntos te ayudarán en primera instancia, antes de convertirte en un experto sobre las estrategias a seguir de tus clases. Recuerda que siempre puedes ajustar, y cambiar de rumbo, según las circunstancias que se presenten, y ya sean estas grupales o individuales.

¿Dónde impartir clases de música?

Las escuelas, academias e instituciones de música, ya sean privadas o públicas, son las opciones a considerar para impartir clases de música. Otra forma son también las clases a domicilio. Cualquiera que sea el caso, es importante llegar bien preparado para que la primera impresión sea la definitiva.

  • Puedes mandar tu currículum bien elaborado a escuelas o academias de música.
  • Revisa los perfiles de enseñanza de acuerdo a tu nivel de experiencia o estilo musical en el que te desenvuelves.
  • Ofrece una clase de muestra gratis para que los directores observen tu desempeño.
  • Trata de emplear todo tu material disponible y experiencia adquirida.

Las clases de música virtuales.

Las clases de música virtuales ofrecen toda una perspectiva de crecimiento por la gran cantidad de elementos que se pueden emplear. Así es, no es solamente el dar una clase ante una camarita haciendo lo mismo que en una clase presencial. Estas ofrecen muchas ventajas a los maestros.

Ventajas operativas.

  • Son clases donde no tienes que pagar renta, ni implementar algún salón para tus alumnos
  • No necesitas trasladarte. Las puedes hacer desde la comodidad de tu hogar.
  • Emplear material adicional, como grabaciones, imágenes y vídeos dentro de tus clases.

Otra de las ventajas, es que las clases virtuales pueden convertirse en un negocio exponencial. Por ejemplo, tú como maestro, tienes la posibilidad de atender a un número limitado de alumnos en el transcurso de una semana. Incluso, si cuentas con una academia o centro cultural, las posibilidades de aumentar tus alumnos siempre estarán limitadas por los alcances que tenga tu material humano y el espacio donde se desempeña.

Un negocio exponencial es aquel que te permite generar ingresos de manera pasiva, crecer de una manera más rápida, y llegar con tu proyecto a la mayor cantidad de personas. Te pongo algunos ejemplos:

  • Crear cursos y capacitación online musical. Para ello, puedes ayudarte de las siguientes plataformas.
    • Udemy
    • Domestika
  • Ofrecer consultoría desde tu página web.
  • Escribir Ebooks sobre temas musicales y venderlos en plataformas como Amazon.
  • Monetizar tu blog y página web.

Para leer más sobre el tema te recomendamos mi blog sobre las plataformas digitales en la música, y la promoción musical en la era digital. 

Conclusión.

La docencia musical, el impartir clases de música es una de las labores más importantes del músico. Ya no digo por la fuente de ingresos estable sino porque es un acto de servicio que conlleva una responsabilidad educativa, social y cultural.

El transmitir tus conocimientos, ideas, técnicas hacen que la enseñanza musical crezca, y por ende la cultura en general. Es uno de los actos más bonitos de la música, el transmitir lo que uno ama hacer para que otra persona disfrute de igual manera y que impacte positivamente en todas las áreas de su vida.

Al mismo tiempo, puede ser un modelo de negocio que pueda generar ingresos pasivos de manera exponencial. Y de esta forma llegar a más y más personas con nuestra música mediante las plataformas digitales.

Y ya no solo eso. La música emplea de maneras muy diversas a los niños y jóvenes, los involucra junto con sus familias y ayudan a reconstruir el tejido social de una sociedad. Algo que un paso más en la evolución de los pueblos.

 

“La educación no es preparación para la vida; la educación es la vida en sí misma” .-John Dewey.


Por Ernesto Tonatiuh

Director de la Academia de Formación Artística Música Proyecta.

 

La Academia Música Proyecta es una escuela de música en Guadalajara centro. Te invitamos a conocernos. Agenda una clase de muestra gratis y comienza a vivir la experiencia creativa de la educación musical.

Nota:

La presente nota informa que sobre la obra y/o prestación titulada “¡Deja de bostezar! Haz de tus clases de música toda una experiencia creativa.”,
registrada el 23-oct-2020 16:25 UTC con código 2010235698512, en el Registro de Propiedad Intelectual de Safe Creative constan inscritas las
siguientes declaraciones: A la fecha y hora de emision de esta nota informativa la reserva de derechos que figura en la inscripción de esta obra es: “Creative Commons Attribution 4.0”

La presente nota informativa ha sido emitida el día 23-oct-2020 a las 16:25 UTC a instancia de Ernesto Tonatiuh. Queda prohibida la reproducción parcial o total de este blog.

 

 

¿Para quién tocamos los músicos? Es momento de conocer a tu público.

¡Conoce a tu público musical!

¿Para quién tocamos los músicos? ¿Quién es realmente nuestro público? Estas son solo algunas preguntas que muchas veces quedan a la deriva de las circunstancias. Esto es, que pensamos que puede asistir cualquier persona a nuestro concierto, academia,  presentación, o adquirir nuestros productos. O también, pensamos que el público o audiencia es algo que es muy difícil de controlar y de predecir. ¿Qué tanto escapa de nuestras manos la idea anterior?

Muchas veces no caemos en la cuenta de que nosotros podemos llenar ese hueco con el público que nosotros escojamos que sea afín a nuestra propuesta musical. Ya que cuando de nuestro público o audiencia se refiere, muchas veces matar moscas con escopetas no es la mejor solución. Antes, los medios masivos como la televisión o la radio se encargaban de ello, pero ya no es así en el mundo de hoy.

Entremos en materia. 

Ser selectivo con nuestro público es como saber a quién vamos a invitar a nuestra fiesta de cumpleaños. Tu propuesta o proyecto musical, por muy novedosa que sea, va a atender a un determinado sector del mercado. Aquel al que le vamos a ofrecer nuestra propuesta artística, o también la va a adquirir en un futuro. Nuestro mercado es el que va a consumir de manera consciente nuestra propuesta porque se le ha generado una necesidad a satisfacer. Dejar estos conceptos a la deriva nos puede dejar de lado con otras propuestas más valiosas en el mercado y nuestros esfuerzos serán en vano.

El dominar el o los nichos de mercado de nuestra propuesta musical hará que más gente consuma nuestro producto o servicio, y lo más importante, hará que fidelizamos a nuestro mercado a largo plazo. En otras palabras, que nuestros clientes sigan consumiendo  a lo largo del tiempo. 

En un mundo tan diverso como el de hoy, el pensar inmediatamente en abarcar un segmento muy grande hará que nos desgastemos tanto económica como anímicamente. Con un mercado globalizado, las personas pueden tener gustos muy distintos, y hay que agrupar los que tienen características parecidas a lo que tú estás ofreciendo. Así, poco a poco podemos definir y delimitar nuestro segmento de mercado en lo que se llama público objetivo

No está demás recordar que nuestro proyecto musical tiene que contener una propuesta de calidad, para poder trabajar sobre los conceptos que trataremos a continuación en este blog. Lo que estamos haciendo ahora es el inicio de nuestra estrategia de marketing, que es el conjunto de actividades para dar a conocer nuestro producto o servicio.  Una vez definido esto, vamos a comenzar con lo primero, que es, definir qué es lo que hacemos, qué vamos a ofrecer a nuestro público o audiencia, y cómo vamos a diferenciarnos del resto.

Te invito a leer mi blog anterior sobre: ¡No esperes más! Invierte en la mejor escuela de música.

El músico que vivía de los aplausos.

¿Qué es lo que ofrecemos a nuestro público? ¿Cuál es nuestro producto o servicio en la música? 

Piensa en tu actividad musical, aquella que amas y te apasiona hacer.  Desde dar conciertos en vivo, ser instrumentista de una banda, ser cantautor, compositor, productor, arreglista, editor, maestro de música, o alguna otra cosa relacionada con la música. Cualquier actividad cuyo objetivo es generar valor, representa un producto o servicio por sí mismo. Definir lo que hacemos es solo el primer paso para segmentar nuestro público objetivo. 

Ahora, mientras más músicos haya haciendo nuestra actividad, bajará la demanda de lo que hacemos. Entonces, tenemos que tener elementos importantes para diferenciarnos del resto de nuestros competidores. Quiero preguntarte, ¿es posible hacer las cosas -sino distintas- sí con giro innovador de tu producto o servicio?  Es por eso que hay que ser muy observadores de qué consume y cómo lo consume nuestro público objetivo, y qué coyuntura o necesidad podemos cubrir con nuestra actividad musical

Elemento Diferenciador. 

 

Conoce las necesidades de tu público.

Para tener en cuenta nuestro elemento diferenciador es importante conocer a detalle las necesidades específicas de nuestro público. Es conocer qué es lo que la gente está buscando o espera de lo que ofrecemos. También puede ser aquello que otros han pasado desapercibido, o que no han atendido eficientemente. Es importante que te conviertas en un buen observador y que distingas los nichos de oportunidad, y con base a ello, realizar un sistema eficiente de marketing para atraer clientes.  A lo que voy es que no necesariamente hay que encontrar el hilo negro, sino darle un giro novedoso a lo que ya existe.

Para que sea más fácil encontrar tu elemento diferenciador  te ofrezco algunos ejemplos: 

Fíjate en tu competencia:

  • De qué se quejan los clientes cuando reciben determinados productos o servicios musicales.
  • Qué buscan las personas al momento de pedir informes sobre academias o escuela de música. 
  • ¿Qué sientes que puedas añadir en tu oferta que otros no tienen? ¿algún producto o servicio nuevo?
  • ¿Habrá productos o servicios que puedas vender en conjunto en paquete a un mejor precio?
  • ¿Qué hábitos e intereses tienen los consumidores de música? (Detallado más adelante)

Para esto puedes valerte de:

  •  La utilización de medios digitales.
  • Elaboración de cursos de música presenciales o virtuales
  • Promociones y descuentos.
  • Paquetes a buen precio.
  • Calidad en el servicio.
  • Calidad en la propuesta.
  • Precio del mercado.
  • Creación de contenido: blogs, libros, vídeos, imágenes, infografías, etc. 
  • Hacerte un experto o referencia en el tema de la música

¿Para quién tocamos los músicos?

Una vez definido nuestro producto con su elemento diferenciador, podemos retomar la pregunta con la que comenzamos este blog. Ya tenemos bien definido el producto o servicio que ofrecemos y el elemento diferenciador de oportunidad que hemos escogido. Ahora, lo importante es delimitar nuestro público al que vamos a ofrecer nuestra oferta, a la audiencia que es afín a nuestra actividad. Nuestro público objetivo

Segmentación de mercado.

 

Para ayudarte un poco en tu búsqueda, vamos a segmentar a tu público al que vas a ofrecer tu proyecto musical. Para ello, lo vamos a delimitar en los siguientes rubros con sus características determinadas.  

    • Hábitos de consumo de tu público. Los hábitos de consumo de tu público musical están orientados al cómo consume música una determinada sociedad. Música por streaming, suscripciones a Spotify o Youtube Music, música en vivo, o empresas discográficas, productoras, estudios de grabación, etc. Así como todo lo que esté relacionado a ello.
    •  Intereses, gustos, o puntos de congregación. Tú público tiene ciertas prioridades, ¿donde se reúne para escuchar música? ¿Qué gustos tiene al momento de hacer sus actividades? ¿Tu público va a escuelas, colegios y actividades extraescolares? ¿Frecuenta tu público algún sitio en especial?
  • Preferencias: Unas cosas por otras. Tu público prefiere cierta música que otra que va a consumir. Esto se puede dar tanto por sus gustos, como su posición económica y estrato social. 
  • Demografía: ¿Tu propuesta musical está orientada a un lugar geográfico determinado? Esto puede ser una escuela de música o alguna expresión artística regional como el mariachi.
  • Poder adquisitivo: ¿Tu oferta artística la puede consumir cualquiera o será un producto más selectivo?
  • Cultura. ¿Tu propuesta trasciende culturas? Por ejemplo, el rock en inglés trasciende las barreras del idioma. ¿Tu público te podrá escuchar en otras latitudes?

¿Cómo podemos saber información sobre nuestro público?

Es importante hacer una investigación de campo sobre nuestro público. Preguntar en empresas o autónomos que se dediquen a la actividad que queremos realizar. Otra forma, como lo mencioné anteriormente, es fijarte en lo que hace tu competencia y cómo se comporta su público al respecto.   O bien,  si ya cuentas con página web o página de facebook, es posible que puedas hacer uso de las herramientas estadísticas que ofrece cada uno de ellos. En el caso de la página web es Google Analytics, la cual te puede dar información muy valiosa sobre el público que visita tu página y al cual puedes dirigir tu publicidad. Si aún no tienes Google Analytics vincúlate ahora.

¿Qué tan grande es tu mercado y qué soluciones están teniendo actualmente? 

¿Es accesible llegar a tu público con tu propuesta?

Especialistas del mercado, dicen que es mejor atacar pequeños nichos para satisfacer ciertas necesidades. Sin embargo, si es tu caso, no hay que dejar de lado las propuestas grandes del mercado. Por ejemplo, Uber entró a un mercado gigante que es transporte personal. AirBnB también entró a la competencia de un mercado enorme que es el de la hotelería. Rappi también entró a una que ya existía que eran las entregas a domicilio. Sin embargo, la diferencia fue que le dieron un giro innovador de acuerdo a las necesidades de los usuarios de hoy en día.

 Entonces, independientemente de cuál sea tu propuesta musical en el mercado, debe contener una segmentación, y un elemento diferenciador que te haga único del resto, que te haga destacar del resto de tu competencia mediante la oportunidades en la necesidad actual de nuestros clientes potenciales. 

Viabilidad económica de la oferta musical.

Una de las partes fundamentales que no hay que dejar de lado,  es el análisis financiero de nuestro proyecto. El tamaño y proyección de nuestro público van muy de la mano con las posibilidades financieras que tenemos en mano. Es por eso que es necesario una buena administración y optimización de recursos para este fin, esto sin dejar de lado la calidad de nuestra propuesta.  Hacer un buen análisis va a  determinar la viabilidad de nuestra oferta.

Vamos por un ejemplo para entender el concepto. 

Un arreglista musical quiere llevar su mercado musical a los alumnos de licenciatura de las carreras en música. Es necesario segmentar el mercado con su elemento diferenciador y cobrar según lo estipulado. Para eso es necesario cubrir varias cosas.

  • Proyección del número de clientes para que nuestra propuesta sea viable.
  • Cantidad de cursos y tiempo necesario para que la propuesta sea viable económicamente.
  • Tamaño de tu audiencia para que las clases no pierdan la calidad deseada y los alumnos puedan aclarar sus dudas.
  • Proyección online del curso.
  • Invitar a nuevos cursos o talleres sobre la temática para aprovechar nuestra experiencia.
  • Hacer descuentos y promociones a los que se inscriban a nuevos cursos.
  • Hacer uso eficiente de las redes sociales y motores de búsqueda. Para ello es necesario dedicar un porcentaje de nuestro presupuesto.
  • Cuántos cursos hay que hacer para que sea rentable la oferta  por período de tiempo. 

Este es tan solo un ejemplo de la proyección financiera de la empresa. Y aunque tu propuesta no sea con fines de lucro, siempre habrá recursos que optimizar y utilizar a tu favor, como el tiempo, material, publicidad, promoción, etc. 

Entonces,  ¿Quién es mi cliente o público potencial?

 

En esta sección vamos a definir concretamente quién es nuestro público potencial en una frase o  párrafo de tal forma que lo tengamos presente en nuestra mente. Piensa en todas esas cualidades que quieres que tenga tu cliente, cómo esperas que reaccione ante tu producto, cómo será el acercamiento que tengas con él o ella. Qué tipo de persona estaría dispuesta a adquirir, enamorarse de lo que tú haces. 

Mediante las herramientas que hemos estado trabajando ya podemos escoger aquellos parámetros para definir nuestro público que siga de cerca nuestras creaciones musicales. 

Vamos por un ejemplo:

El director de una escuela de música tiene una propuesta. Su elemento diferenciador es la experiencia de la metodología que puede brindar una experiencia integral musical a los alumnos. Ha delimitado su mercado a mujeres entre los 25 y 55 años que tengan hijos, que lleven a sus hijos a colegios, que disfruten de vacaciones, que sean activos en la sociedad, que frecuentan clubes deportivos y reuniones. Así como de poder adquisitivo medio alto. 

Define cuál es nuestra propuesta.

Involucra a tu público en lo que amas hacer, y genera una gran experiencia. 

Quiero que pienses ahora en cuál es tu propuesta musical. Tu propuesta no es solamente lo que vas a ofrecer en el mercado, sino también es la función más importante de tu proyecto. Esta propuesta es sobre la que tienen que girar todas las demás actividades que realices para el crecimiento y funcionamiento de tu emprendimiento musical. Puede ser una frase o un párrafo, pero tienes que establecerlo en este momento. Será el motivo por el cual va a generarse todo un sistema de funcionamiento de lo que amas hacer. 

Esta propuesta o función más importante de tu emprendimiento, junto con lo anterior, estará provista de una propuesta de calidad, elementos para que sea rentable (si es el caso), y que contenga una propuesta educativa para tu público. Vamos a poner un ejemplo de frases en este sentido. 

Un ejemplo de concertista de piano puede ser:

“Quiero ofrecer una propuesta innovadora con la música, que haga uso de herramientas audiovisuales y digitales para su implementación y promoción. Quiero generar una propuesta educativa con vídeos en streaming que puedan motivar a miles de jóvenes con ganas de aprender música y piano”

Un ejemplo de compositor:

“Crear música que satisfaga las necesidades de un mercado en su mayoría de la música popular, implementar arreglos novedosos, completos que hagan uso de la orquestación. Esto con la finalidad de llevar una propuesta musical de calidad que sea actual a las generaciones modernas.”

Un ejemplo de  cantautor:

“Crear música de concientización social sobre la situación que vive determinada región del país. Con el fin de promover valores de nuestra cultura mediante una oferta musical de calidad”

Te invito a que comiences a generar tu propia propuesta musical que será la guía para nuestros siguientes pasos. Recuerda que es la función más importante que vas a realizar sobre la cual van a girar todas las demás actividades. 

Sigamos avanzando al siguiente paso.

Una vez definido nuestro elemento diferenciador, de haber segmentado nuestro público, y de haber descrito en un párrafo la función más importante de nuestro proyecto musical, queda la cuestión de cómo acercarnos a él. Está por demás claro que los buenos productos y servicios, por muy buenos que sean, no se venden solos. Podemos citar el IPhone que gasta millones en publicidad, o Amazon que gasta también un porcentaje muy considerable. Y esta será la cuestión que abordaremos más adelante. 

Lo que nos queda ahora es definir nuestros canales de promoción, y difusión. Todo lo relacionado al mundo del marketing digital desde la perspectiva de un músico.

Te invito a seguirme en los siguientes blogs sobre el tema. 


Por Ernesto Tonatiuh.

Director de la Academia de Formación Artística Música Proyecta

 

¿Te gustaría conocer la propuesta musical de las academias de música en Guadalajara? Te invito a que conozcas una de ellas, que son las clases de piano en Guadalajara. ¡Seguro será una experiencia creativa que no olvidarás!

 

La presente nota informa que sobre la obra y/o prestación titulada “¿Para quién tocamos los músicos? Es momento de conocer a tu público.”, registrada
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¡No esperes más! Invierte en la mejor escuela de música. 

¡Conoce la mejor escuela de música!

¡Espera! ¿Cuál es la mejor escuela de música?

La educación siempre será la mejor inversión que podamos hacer. Invertir en nosotros mismos es un factor clave para nuestro desarrollo personal y económico. Es algo que a largo plazo nos dará la preparación necesaria para generar nuestros emprendimientos musicales, sacarles el máximo provecho, optimizarlos, y alcanzar a más y más gente con nuestra música. Entonces, una  preparación integral no en solo música, sino en todo lo que envuelve a un modelo de negocios, será fundamental para desarrollar nuestro proyecto musical. ¿En qué sentido?

Estudiar música, por sí solo, ya contiene un beneficio globalizador, y por ende, es una de las mejores inversiones que uno puede hacer. La música nos transforma y organiza. El arte le pone nombre y apellido al caos existente en nuestro mundo y define nuestro reflejo personal. Así que, si ya estás en este camino del arte, felicidades, ya llevas algo de ganancia en tu desarrollo frente al resto.

Te invito a leer: “Deberías estar tomando clases de piano. ¡Pero aún no lo sabes!”

Ahora, cuando se trata de generar la propuesta concreta de nuestro proyecto musical -que es algo de lo que hemos estado hablando en el blog anterior–  es necesario equiparse con la mejor preparación de la mejor escuela de música. Una educación que sea integral en varios ámbitos de la cultura y el arte, y que comprenda también varias facetas del emprendimiento y los negocios. Para de esta forma, ampliar nuestra visión sobre un proyecto integrador que haga uso de sistemas eficientes dentro de su estructura.

¿Ya sabes de qué escuela de música hablo? Vamos a explorar paso a paso.

El problema del músico “técnico” de acuerdo con el libro E-Myth Revisited, de Michael Gerber. 

 

Para describir este tema, vamos a elaborar el siguiente ejemplo. Digamos que somos muy buenos maestros en impartir clases de música en determinado instrumento. Nos gusta mucho la música en general, disfrutamos de la docencia y la pedagogía infantil, conocemos los métodos de estudio para cada edad de aprendizaje,  somos carismáticos y aceptados por nuestros alumnos. Ante esta expectativa, gente cercana y allegada a nosotros nos motiva a poner una academia de música. “¿Qué podría estar mal?” nos preguntamos. Tenemos muchos alumnos, buena aceptación, nos gusta hacer las cosas con calidad, y podemos garantizar una buena afluencia de personas dentro nuestra nueva escuela de música. Sin embargo, las cosas no son tan fáciles como parecen.

Al abrir nuestra escuela, como tarea principal hacemos lo que más amamos hacer, que es dar clases de música. Nos gusta tomarnos nuestro tiempo con cada alumno, personalizar su clase, hacer las cosas bien y con calidad como siempre acostumbramos. Nos sentimos presionados si hay más de dos alumnos dentro de una hora de clase porque pensamos que es imposible cubrir una buena enseñanza con tan poquito tiempo. Sin embargo, ahora que abrimos nuestro negocio, no es la única responsabilidad que tenemos.

Entre las múltiples responsabilidades que implica tener una escuela, se pueden enumerar las siguientes: establecer los canales de promoción, hacer estrategias de marketing, generar publicidad, crear publicaciones de valor en redes sociales. En el plano administrativo, registrar pagos, hacer recibos, atender a clientes prospectos, agendar clases, buscar maestros de otros instrumentos, recibir llamadas, dar informes, etc. Esto, más solventar los gastos fijos que se generen de nuestra actividad como: tener la presión del pago de una renta, servicios, mantenimiento, y material. Así como gastos variables como compra de equipo, reparaciones, mantenimiento de los instrumentos, imprevistos, etc.

¿Qué hace el músico ante esta abrumadora lista de nuevas cosas por hacer? 

Naturalmente, contratar a alguien para que nos ayude a hacer aquellas tareas que no disfrutamos del todo hacer. Un administrador, un coordinador, o una secretaria, por así decirlo. Todo parece encontrar solución ahora. “Alguien que se dedica a la administración puede llevar adecuadamente todo lo relativo a esa actividad y demás cosas que se requieran”, decimos. Pasan algunas semanas, y el músico comienza a delegar al administrador todas esas tareas que no le gusta hacer: poner en orden los recibos, pagos, facturas, logística de los salones, atención al cliente, y demás. Y pareciera que las cosas comienzan a funcionar, pero ahora surgen algunos problemas.

Nuestro amigo administrador se ve en la necesidad de tomar ciertas decisiones por su cuenta y a su propia manera de entender la empresa. De parte del músico no recibió las instrucciones necesarias para llevar su labor, simplemente le dejaron las tareas que no quisimos hacer. No conoce las cuestiones específicas de una escuela de música, se le pasa por alto varias cosas, no registra bien los pagos, no le contesta bien a los clientes, su tono de voz es áspero y, como no es músico, tampoco sabe darle un seguimiento personalizado a los nuevos clientes que van llegando. Todo esto nos comienza a irritar y desesperar.

¿Qué nos hace falta como músicos? 

Esta forma de delegar no resultó eficiente para nosotros, que nos apasiona dar clases y no queremos desprendernos de esa actividad que nos apasiona. Nos damos cuenta de que las cosas no están funcionando, no se le está cobrando bien a los clientes, no se registran bien los pagos, no prospecta a nuevos clientes de manera adecuada, y los clientes no están felices con su atención. Aunado a esto, nuestro administrador se cansa, y simplemente renuncia porque se le paga poco y se le reclama de los problemas anteriores. Ahora nos encontramos solos y desesperados, no sabemos qué hacer y cómo salir adelante. Pensábamos que lo único que necesitábamos era ser bueno en la música y dar buenas clases de su instrumento.

Visto en perspectiva, el problema aquí es que el músico en cuestión delegó actividades sin conocer qué era lo que realmente necesitaba, sin abarcar una visión de proyecto integral que comprenda, no solo la calidad musical acostumbrada, sino la implementación de un sistema de negocio en torno a la visión general de su proyecto musical. Si nosotros no construimos un sistema eficiente sobre nuestro proyecto musical estaríamos estancados solo una fase, la de “técnico” de nuestra actividad, según el libro que menciono a continuación.

¿Cómo puede ser la preparación integral del músico para crear nuestra propuesta?

Michael Gerber, en su libro The E-Myth Revisited, del cual se basó el ejemplo anterior, explica cada una de las fases del emprendimiento para desarrollar nuestro proyecto musical.

Lo que propongo, de acuerdo a dicho libro, es contar con la preparación adecuada para abordar las siguientes dos facetas del emprendimiento: administrador y empresario.

Emprendedor:

El emprendedor, es el visionario, el generador de ideas y estrategias. Su cualidad es que vive en el futuro, en el rumbo de sus proyectos y de sus emprendimientos. A su vez, establece los sistemas sobre los cuales se va a fundamentar su proyecto. El emprendedor anhela  libertad, éxito, y pasión por lo que más le gusta hacer.

Administrador.

El administrador vive en el presente, es el que planea y pone en orden las visiones del emprendedor, delega las tareas, establece esquemas de trabajo, jerarquías y responsabilidades.  También es responsable de la salud financiera de la empresa.

Técnico.

El trabajo técnico comprende la siguiente cita:“Si tú entiendes el trabajo técnico de un negocio, tú entiendes solo el negocio de dicho trabajo técnico” El técnico le gusta enfocarse solo en su labor, le gusta tomarse su tiempo y hacer las cosas con calidad acostumbrada. No le gusta que nadie lo esté presionando sobre sus tiempos y las cosas que debe hacer. Es el que toma la acción dentro de una empresa, y muchas veces lo representa la siguiente frase:  “Si lo quieres bien, hazlo tú mismo”. Sin embargo, una de sus características es que llega un punto en que ya no puede por sí mismo, y necesita contratar a alguien.

“Trabaja en tu proyecto y no dentro de él”

“Trabaja en tu negocio, no dentro de él.” Es uno de los principios que contiene este libro. A su vez,  contiene conceptos muy importantes sobre el siguiente paso a dar, una vez definido tu proyecto musical. Responde a las preguntas ¿cómo puedo hacer que mi proyecto musical funcione sin que esté yo necesariamente ahí dentro? ¿Cómo puedo crear un sistema eficiente de mi emprendimiento? ¿Cómo puedo hacer lo que más amo hacer? Un libro que sin lugar a dudas, te recomiendo leer.

A manera de síntesis de los conceptos anteriores, el punto que quiero abordar es que el emprendedor tiene varias facetas, las cuales son: técnico, administrador y empresario. Al músico técnico le gusta su trabajo, le gusta el tiempo que se toma en hacer aquello que hace con tanto esmero. Sin embargo, no le gusta meterse en problemas de todo lo que circunda alrededor del negocio musical. Y es por eso que muchas veces se ve solo en sus proyectos, le falta visión y perspectiva de hacia dónde va con lo que más le gusta hacer. Hay que tener una perspectiva de lo que se necesita y reinventarnos nosotros mismos como administradores y emprendedores, para posteriormente delegar eficientemente y generar los sistemas de nuestro proyecto.

Me gustaría con este blog que tu proyecto musical sea con una visión integral de negocio. Que sea con miras a crear un sistema eficiente de tus emprendimientos. Ya sea si te dedicas a la docencia, al concertismo, a la composición, a la producción, al management, o alguna otra actividad, me gustaría invitarte a generar una propuesta de calidad mediante un proyecto transformador del que hemos estado hablando últimamente. Para esto, hay que seguir cultivando nuestra mente con nuestra propia educación.

Situación de las escuelas de música y la educación universitaria. 

 

Te has puesto a pensar, ¿vale la pena estudiar una educación universitaria para salir a un mercado laboral donde no te contratan? O también, ¿se justifica el costo de la educación universitaria para mejorar tus ingresos?

En las últimas dos décadas, los costos de la educación subieron más que otros servicios como salud, vivienda, y comida. Esto se da por diversos factores como:

  1. Percepción del valor: el 90% de los estudiantes piensa que estudiar una carrera universitaria va a mejorar sus ingresos.
  2. Más crédito disponible para pagar una universidad. Más que cualquier otro tipo de crédito.
  3. Pago a maestros, personal, instalaciones y amenidades.

La educación es una inversión, sin lugar a dudas. Sin embargo, a pesar de esta percepción inicial, no hay evidencia definitiva que la educación universitaria pueda garantizarnos un puesto en el mercado laboral y generar ingresos equivalentes a la inversión que estamos haciendo.

En lo que respecta a la misma educación superior en el ramo musical, es importante hacer una valoración similar de los perfiles de egresos de los alumnos y sus oportunidades en el mercado laboral. Muchas veces los egresados de las escuelas de música no encuentran un mercado laboral por dos motivos.

  • Una es la proyección de la matrícula en función de las necesidades del mercado. Esto es, que los programas de estudio, en parte, no están acorde con las demandas del mercado laboral.
  • Y dos, la falta de incentivos para la generación de proyectos artísticos, no solo económicos, sino de implementación de programas educativos para la generación del mismo.

Esto lo traigo al tema porque repercute directamente en nuestro proyecto musical, que debe ser relevante para nuestro mercado y debe encontrar una necesidad en el mismo.

Tomando en cuenta lo anterior, es muy importante hacer una valoración de lo que necesitan los alumnos al estudiar una carrera musical. Con todo lo que conlleva de esfuerzo, sacrificio, gastos y tiempo, muchas veces los alumnos no salen con las herramientas necesarias en un mercado laboral donde se  muy  hacen cosas distintas a las que estudiaron.

  • Por ejemplo, estudiar siete años música clásica, para posteriormente trabajar en una agrupación de música popular.
  • Tener una educación orquestal en tu instrumento, pero cuando egresas hay muy pocas orquestas para aplicar.

Entonces, los egresados se enfrentan  ante la siguiente pregunta…

¿Qué necesita el músico complementar la educación musical universitaria?

Ante la cuestión de que una carrera musical muchas veces no va con el mundo real en el plano artístico. A mi parecer hay que tener las siguientes propuestas de materias, cursos o talleres. Y si no es posible, complementarlo con los libros o cursos.

  • Generación y creación  de proyectos
  • Investigación de mercado.
  • Administración
  • Relaciones públicas.
  • Educación musical y pedagogía. (No solo para los que imparten esa carrera)
  • Marketing digital.
  • Educación financiera. Los músicos más que ninguno, ya que obtenemos nuestras ganancias de diversas fuentes de ingreso.

Así mismo, no hay que dejar de lado la cuestión práctica, que como vimos anteriormente, nos hace no solo ser técnicos de nuestra actividad musical, sino también administradores y emprendedores.

No dejes de lado tu educación musical.

El moverte por tu cuenta, buscar material, libros, videos, cursos, diplomados, festivales, clases magistrales, conciertos, concursos, nos va dar la oportunidad de seguir acrecentando la calidad de nuestra oferta musical. Con la información anterior, sabemos que no es posible delegar todo nuestro conocimiento a la universidad y que es indispensable armarnos con lo que vamos a ir requiriendo para nutrir nuestro proyecto musical.

Conclusión. 

Dando por terminado este tema, la conclusión es que la mejor escuela de música es la que creas tú mismo. Esto es, con todas las herramientas culturales, técnicas, artísticas, financieras y de negocio que puedas adquirir a lo largo de tu vida. La escuela de música universitaria es apenas una parte muy reducida de todo lo que conlleva la creación de valor de tu propuesta artística.

Hay que recordar que toda nuestra preparación es para nuestro proyecto artístico, algo que tenga un elemento diferenciador y que aporte valor a la sociedad. A continuación, veremos la parte práctica de la creación de nuestro proyecto artístico, así que, ¡manos a la obra!


Por Ernesto Tonatiuh

Director de la Academia de Formación Artística Música Proyecta.

 

¿Conoces la oferta musical de las escuelas de música en Guadalajara? Te invitamos a conocer la nuestra para que vivas tu experiencia creativa con nosotros.

A la fecha y hora de emision de esta nota informativa la reserva de derechos que figura en la inscripción de esta obra es: “Creative Commons Attribution 4.0″. La presente nota informativa ha sido emitida el día 23-sep-2020 a las 15:34 UTC a instancia de Ernesto Tonatiuh. Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción parcial o total de esta obra.

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El violinista que vendió su alma al diablo.

Violinista

Sí, no es mentira. Existió un violinista, que por el dominio excepcional de su instrumento, se creyó que había hecho un pacto con el diablo. Motivo que le impidió recibir cristiana sepultura al momento de su muerte.

Se considera como el más grande violinista que jamás haya existido. Su violín fue objeto de seducción de los más grandes escenarios europeos, así como la fuente de inspiración de toda una generación de románticos. Liszt, Schumann, Chopin, Brhams, Rachmaninoff, entre otros, hicieron honor a su música con dedicaciones en su nombre. Y en sí,  todo el siglo XIX estuvo impregnado por los desarrollos técnicos de su violín, aplicados al virtuosismo en todos los instrumentos musicales.  

Leyendas e historias se hablaron en Europa de su legendaria técnica al violín. Hoy en día, a pesar de las grandes proezas de muchos intérpretes, muy pocos violinistas han alcanzado a tocar con éxito sus obras como tal cual las escribió. Su nombre quedará plasmado como el más grande virtuoso de la historia con el sello distintivo del espíritu del genio romántico.  Nicolo Paganini

En este post, me gustaría explorar la vida de este enigmático violinista desde el punto de vista anecdótico y especulativo. Muchos de sus datos biográficos han sido corroborados en varios libros con autores reconocidos. Pero, la vida de Paganini siempre nos deja una ventana abierta al misticismo de uno de los violinistas más enigmáticos que haya existido. 

La inspiración de la generación romántica.

Inicios musicales en Italia.

Paganini comenzó a tomar clases de violín a muy temprana edad en su natal Génova, Italia. A los nueve años, hizo una gira por varias ciudades italianas, sin embargo, fue hasta sus dieciséis años que fue considerado un verdadero virtuoso del violín

De 1805 a 1813 fue director musical en la corte de María Anna Elisa Bacciocchi, hermana de Napoleón, con quien se rumora que pudo haber tenido amoríos.  Posteriormente, se dedicó a viajar como virtuoso del violín por las principales ciudades de Europa. 

El violinista de inigualable técnica.

Paganini fue la fuente de inspiración de los más grandes compositores de su tiempo. “La Campanella” y el “Capricho 24”, fueron objeto de estudio para muchos compositores, entre los que cabe mencionar a Franz Liszt, Robert Schumann, Johannes Brahms, Sergei Rachmaninoff, Witold Lutoslawski. Quienes escribieron conocidas variaciones sobre estos temas, las cuales detallo su nombre en este artículo. 

Anécdotas

El violinista poseído. 

Debido a su inigualable técnica, la fama de Paganini de estar poseído con alguna entidad demoníaca le persiguió hasta su lecho de muerte.

Al momento de su muerte, el obispo de Niza,  le negó la cristiana sepultura. Esto debido a que Paganini se negó a recibir la extremaunción unos días previos, con el pretexto de que aún no llegaba su hora. Debido a esto, estuvo embalsamado en el sótano de su hijo por dos meses, siendo enterrado más tarde en Lazareto de Villefranche, y posteriormente en el cementerio de Parma, Italia. 

Un sueño diabólico.

La madre de Paganini, tuvo un sueño cuando su hijo tenía 5 años, en el que el mismísimo diablo le comunicaba que su hijo sería un gran violinista. Por esta razón, su padre le puso a estudiar violín por horas interminables encerrado en el sótano de su casa. 

Más adelante en su vida, comentaba que él mismo había hecho un pacto con el diablo. Y aseguraba que esa era la razón de su inigualable virtuosismo. 

Apariencia cadavérica.

Con abrigos deshilachados y pantalones negros, Paganini siempre fue fiel a su forma de vestir a pesar de su fortuna. Sus contemporáneos lo describen como un ser cadavérico, de rasgos afilados con una prominente nariz. 

Más tarde en su vida, tomaba un medicamento de mercurio debido a la sífilis que lo aquejaba por varios años. Esto le hizo perder varios dientes, y adelgazar considerablemente por múltiples molestias estomacales que sufría. 

Con tan solo una cuerda en su violín. 

En sus conciertos solía hacer espectáculos de tocar obras musicales en su violín solo con una cuerda. Hay quienes dicen que durante una presentación se le rompieron tres de las cuatro cuerdas de su violín, y a pesar de ello, terminó con éxito su concierto.

Gran atracción por las mujeres. 

Paganini tenía afición por el juego y la bebida, tanto que llegó a arriesgar su propio violín en varias ocasiones. A pesar de ello, y de su aspecto descuidado, tuvo un gran éxito con las mujeres, tanto que llegó a tener sus haberes sentimentales con una hermana de Napoleón.

¿Tacaño?

Una noche, después de un concierto, Paganini pidió un coche de caballos para que lo llevara a su hotel.

Cuando llegaron a su punto de destino, el cochero le dijo que serían 5 florines por el traslado. Paganini, sorprendido le respondió -¡Cinco florines! ¡Debe estar bromeando, este trayecto suele costar solo un florín!

El cochero, un tanto indignado le respondió, -pero señor, usted gana cincuenta mil florines por tocar algunas notas sobre una cuerda, no debe ser nada para usted pagar solo 5 florines-.

Paganini, le respondió. -Cuando usted sea capaz de conducir su coche con una sola rueda, yo le pagaré lo que usted me pide-. Y con esa resolución el gran maestro le pagó solo un florín, y se fue caminando a su hotel. 

Violines.

Durante su vida, llegó a poseer cinco violines, dos Stradivarius, dos Amati, y un Guarnerius. Este último era su favorito, y era  llamado Il Cannone.

Para descubrir más sobre la vida de Paganini, te invito a leer más sobre su biografía en este siguiente enlace.

Obras

La mayoría de las obras de Paganini están escritas para violín solo, siendo este su instrumento principal. Sin embargo, también cuenta con mucha música de cámara y música de  concierto para su instrumento, de una gran complejidad técnica y expresiva.

Obras sobresalientes.

  1. Los 24 Caprichos para violín solo. En los que Paganini explora diversas técnicas del violín a manera de estudios. 
  2. 5 Conciertos para violín y orquesta. 

Obras inspiradas en él.

Como pudimos apreciar en “La inspiración romántica”, Paganini fue objeto de admiración y estudio por parte de sus seguidores. A continuación, enumero algunas de ellas, mismas que son interpretadas de manera habitual en el repertorio clásico. 

  1. “6 Sonatas dedicadas a Paganini” para violín solo, de Julián Carrillo.
  2. Seis Grandes Études de Paganini, para piano solo, donde se incluyen los arreglos de 5 Caprichos. Uno de ellos es la famosa “Campanella”. De Franz Liszt. 
  3. Estudios sobre los Caprichos de Paganini y un movimiento de su famoso Carnaval, lleva el nombre también de Paganini. De Robert Schumann.
  4. El Capricho No. 24, ha sido la base de variaciones muy importantes como “Variaciones sobre un tema de Paganini”, de Brahms. Y la “Rapsodia sobre un tema de Paganini”, de Rachmaninoff. 

¿Te gustaría tomar clases de violín en Guadalajara? Te invitamos a que visites nuestros programas musicales

Por Ernesto Tonatiuh

Director de la Academia Música Proyecta

“Crear música dentro de la cuarentena puede ser tu mejor inversión.”

beneficios del piano

Sin lugar a dudas, esta época de aislamiento social ha roto con rutinas tan importantes como la familia, amigos, y entretenimiento; mismas que ayudaban a mantener un estado emocional al que estábamos acostumbrados normalmente. Estos cambios traen consigo trastornos como la ansiedad, miedo, y apatía, causados por la incertidumbre dentro de nuestro lugar de confinamiento. La música es un aliciente para salir adelante.

Nos han bombardeado constantemente con información en redes sociales sobre la gran gama de actividades que podemos realizar durante esta cuarentena. Pero, ¿cómo enfocamos esa energía acumulada? ¿cómo empezamos los planes y proyectos que hemos postergado? Aquí es donde entra en juego la música como un estabilizador mental y emocional, y como el generador de una gran variedad de beneficios cognitivos, creativos y educativos.

La música como estabilizador emocional.

De acuerdo con un reciente estudio de la National Academy of Science de E.U., la música ayuda a liberar neurotransmisores relacionados con la alegría, el placer, y la gratificación, como la dopamina. También es una de las mejores formas de liberar el estrés, y regular emociones desagradables que hemos tenido durante el día, como la fatiga, tristeza y la preocupación. 

Científicamente se ha comprobado que escuchar música dentro de la realización de alguna otra actividad puede ser una gran opción,  ya que permite la activación de extensas regiones cerebrales de forma simultánea, muchas de ellas asociadas a las emociones, memoria, sistemas de atención y procesamiento de información, que son recursos cognitivos muy importantes al momento de aprender.

Este elemento estabilizador se puede potencializar aún más cuando nosotros somos artífices de la música, cuando nosotros la creamos y nos sumergimos en el proceso de cautivarnos mediante el aprendizaje. Es cuando elegimos el instrumento que más nos gusta y comenzamos el viaje de la enseñanza  musical.

Los beneficios de la música en los niños.

Últimamente se ha hablado mucho de la enseñanza musical como un elemento potencializador de varias áreas de nuestro cerebro en el proceso de aprendizaje. Según la Teoría de las inteligencias múltiples de Howard Gardner, existen varios tipos de inteligencia: matemática, verbal, visual-espacial, corporal, musical, interpersonal, intrapersonal, naturalista. Sin embargo, la música tiene la capacidad de incorporar, comprender y potencializar a todas las demás inteligencias. (https://psicologiaymente.com/inteligencia/teoria-inteligencias-multiples-gardner)

Es por eso que la música debe ser un derecho que tienen que acceder, practicar e involucrarse todos, y no solo los que tienen talento o facilidad. 

Entre los beneficios de la música se encuentran:

  • Reduce la ansiedad y el estrés.
  • Contribuye en el fortalecimiento de la memoria.
  •  Fortalece las conexiones cerebrales.
  • Ayuda a la incorporación verbal del lenguaje en los niños.
  • Mejora la atención y el aprendizaje.
  • Ayuda al desarrollo de la coordinación y motricidad. 

Dentro del aspecto terapéutico y médico sus beneficios radican en:

  • Ayuda en desórdenes neurológicos.
  • Fortalece el sistema inmunológico.
  • Protege el envejecimiento cerebral.
  • Reduce la presión arterial.

¿Todos los géneros musicales cuentan?

Siempre y cuando la música que escuchas o que tocas sea significativa para ti, cuenta, y será muy importante para el desarrollo de las bondades de la música. De acuerdo con un estudio de la Universidad de Durham, del Reino Unido la música puede levantar tu estado de ánimo inclusive si escuchas música “triste,” o también puede evocar experiencias memorables dentro de nuestra vida que nos ayudan a recordar lo mejor de ellas. 

La música es un reflejo de nosotros mismos, y representa un cuerpo de lo que sentimos hacia lo que  podemos materializar y enfocar, para de esta manera reconocer nuestros problemas, enfrentarlos y  superarlos. Esto se aplica mucho en las terapias ayudando cuestiones como las que se mencionaron anteriormente.

En conclusión.

Entonces, tanto si la escuchas como si la practicas, no hay mejor inversión para ti que la música en esta cuarentena y en el hábito que puedas generar para tu vida. La música es un equilibrio en lo emocional, creativo, educativo, y cognitivo. Es un mecanismo creador que ayuda a potencializar todas tus actividades diarias. La música trae muchos beneficios a tu desarrollo como persona. La música es un buen compañero para toda la vida. 

Por Ernesto Tonatiuh.
Director de Academia Música Proyecta

Anexo: Visita nuestra página https://www.academiamusicaproyecta.com.mx para más información sobre nuestros programas musicales virtuales para esta cuarentena. Conoce nuestra oferta musical y otras ideas para esta cuarentena.

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