La importancia de la música en la educación.

La importancia de la música en la educación.

Alguna vez te has preguntado ¿en qué radica la importancia de la música en la educación? ¿Por qué acostumbramos enseñar a los niños a través de rondas y canciones infantiles? ¿Habrá alguna razón educativa para que los programas infantiles sean acompañados de música?

¡Haz de tus clases de música toda una experiencia creativa!

Se sabe que desde la prehistoria y las civilizaciones más antiguas se contaba con expresiones musicales que fungían como una parte esencial en la educación y cultura de las personas. Es por ello que es innegable la necesidad de analizar el papel y conocer la importancia de la música en la educación.

La música en los primeros años de vida.

En el blog anterior te explicamos que el cerebro de los niños es más flexible al adaptarse a diferentes estímulos en su entorno, y entre estos estímulos se encuentran los musicales. Desde la gestación, el oído es uno de los primeros sentidos en ser estimulados a través del ritmo cardiaco y la voz de la madre. El bebé reacciona a dichos sonidos mediante su cuerpo al hacer movimientos como las famosas pataditas o cambiando de posición. Quizá sea por ello que tenemos un deseo casi primitivo de generar más estímulos sonoros que nos resulten agradables, llegando así a crear la música.

Se le considera una reacción orgánica o natural que produce respuestas rítmicas con efectos motrices; por eso, al nacer tenemos tan desarrollado el sistema auditivo. Podemos notar la reacción de los bebés ante diferentes sonidos de su entorno, y tienden a estar más atraídos a los sonidos suaves pues les ayudan a calmarse. Alrededor de los 6 y 8 meses, comienzan a reconocer canciones y pueden expresar emociones relacionadas a las canciones, generalmente agitando brazos y piernas. Para los 2 años ya han enriquecido sus sentido rítmico y tienen las habilidades necesarias para reaccionar con pequeños bailes o repitiendo canciones que escucha.

“Desde la gestación, el oído es uno de los primeros sentidos en ser estimulados a través del ritmo cardiaco y la voz de la madre.”

 

Conforme el niño va teniendo mayor control sobre su cuerpo, además de fortalecer sus habilidades lingüísticas, también es capaz de seguir los ritmos a través de diferentes partes del cuerpo. Por eso tienen mayor atracción a los instrumentos de percusión, pues estos permiten seguir ritmos mediante movimientos muy sencillos. Entre los 4 y 5 años ya son capaces de inventar pequeñas canciones o juegos vocales y, aunque pueden diferenciar ritmos rápidos de lentos, todavía confunden velocidad con intensidad. ¿Alguna vez notaste que, si pones a un niño a cantar más rápido, también eleva su tono de voz? ¡Inténtalo con su canción favorita!

Contribuciones de la música a la formación educativa.

Como ya vimos hasta ahora, la importancia de la música en la educación radica en que permite al alumno descubrir sus posibilidades de movimiento y de generar sonidos con su propio cuerpo. Estimula sus capacidades físicas y refuerza la conciencia sobre las partes del cuerpo, ayudando a trabajar direcciones de espacio como la diferencia entre derecha e izquierda o adelante y atrás. Las canciones y rondas infantiles son de gran importancia al ser un medio de desarrollo del oído y ayudan a trabajar la coordinación. Cuando se trabaja por grupos, permiten la comunicación y la expresión a través de diversos medios (verbales o no verbales), lo cual ayuda en el proceso de socialización.

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Investigaciones que han evaluado los efectos de la música a través de electroencefalogramas han mostrado que no solo permite desarrollar habilidades exclusivamente musicales. También ayuda a mejorar la capacidad de memorizar, poner atención y concentrarse en tareas dadas, así como la habilidad de resolver problemas. La música estimula la creatividad e imaginación, pues evoca recuerdos e imágenes que enriquecen el intelecto. Al interpretar o escuchar música, se estimulan distintas áreas del cerebro que atienden a la imaginación y los sentimientos y los conocimientos se adquieren mediante la experiencia.

“La música estimula la creatividad e imaginación, pues evoca recuerdos e imágenes que enriquecen el intelecto.”

 

La música, el ritmo y el movimiento son especialmente influyentes en las primeras etapas del desarrollo infantil. Aumenta la confianza y seguridad en sí mismos. También, desarrolla sus habilidades de expresión corporal, mejora sus habilidades comunicativas y los ayuda a expresar y gestionar sus emociones. Es por eso que la importancia de la música en la educación va mucho más allá de ser una materia más dentro del currículum para cumplir una agenda cultural general. Se le reconoce como un método de enseñanza de apoyo a la educación en cualquier materia, utilizando los elementos prácticos de las canciones y rondas infantiles para generar una participación activa y creativa.

Importancia de la música para favorecer el aprendizaje.

El neurocientífico Norman Weinberger afirma que la música tiene efectos en el desarrollo cognitivo y emocional a través de la relación entre la melodía y el lenguaje. Pues el hemisferio derecho del cerebro procesa la melodía y el derecho el lenguaje. Sin embargo, las intenciones formativas de la educación musical solo pueden lograrse si la selección musical se realiza con base en los intereses y aptitudes interpretativas del alumno. La música es una frondosa fuente de estímulos sensoriales, por lo que algunos afirman que es el ejercicio más completo para la mente, en especial para reforzar las neuronas.

Las mejores clases de piano en Guadalajara

Por eso, la importancia de la música en la educación es que se tome como una herramienta en los procesos de enseñanza para que la formación sea integral. Permite atraer la atención y ayudar al educador a evitar distracciones en otros estímulos negativos, además de que provoca respuestas emocionales que permiten también darle aplicaciones terapéuticas. Para ello, es importante que en las clases haya un ambiente de libertad que fomente la participación de los alumnos, incitándolos a investigar y crear por sí mismos.

Además, una correcta formación musical requiere ser impartida por profesionales especializados en el área de la pedagogía musical. Mismas que cuenten con el conocimiento necesario para potenciar al máximo el aprendizaje de sus alumnos. Ya sea como herramienta auxiliar de programas académicos convencionales, o por medio de clases particulares de música, la música tiene un valor educativo y pedagógico innegable. Es un elemento atractivo que permite la expresión corporal generando una sensación gozosa y disfrutable, además de ser muy divertida. ¡Puedes bailar, jugar e innovar tanto como tu imaginación lo permita!


Por Renata Palomo Lara. Creadora de Contenido.

Referencias Bibliográficas.

Salcedo, B. (2016, julio – diciembre). Importancia de la música como recurso en el aprendizaje escolar. Revista Iberoamericana de Producción Académica y Gestión Educativa, 6, ISSN 2007 – 8412.
García, M.. (2014). La importancia de la música para el desarrollo integral en la etapa de Infantil. Andalucía: Facultad de Ciencias de la Educación.
Aquino, F. (1997). Cantos para jugar 1. México: Trillas.

Foto de niño guitarra creado por valuavitaly – www.freepik.es

Aprender un arte en línea. Las escuelas de música online en 2022.

Escuelas de música online.

La educación a distancia. Una posibilidad en 2022.

Desde la llegada de las nuevas tecnologías, el sistema educativo ha migrado parcial y progresivamente al internet, sin embargo las escuelas de música online demoraron más que el resto en hacerlo. Por la naturaleza de la materia, el aprendizaje a distancia no fue una realidad sino hasta hace poco tiempo.

Tener un podcast en una plataforma de streaming.

Con el avance del internet, universidades de alto nivel en todo el mundo adecuaron sus planes de estudio a la modalidad virtual. La oferta académica contemplaba desde cursos de especialización y diplomados, hasta maestrías y doctorados. Encontrar licenciaturas en línea siempre fue algo complicado, pero, cursar un posgrado ha sido factible desde hace varios años. Dirigidos a profesionistas que por lo regular tienen poco tiempo, los posgrados virtuales fueron una vía de fácil acceso para el perfeccionamiento de la técnica y la ampliación de los conocimientos adquiridos en una licenciatura.

Los dispositivos electrónicos dejaron de ser un signo de exclusividad hace algunos años. Con el auge de los avances tecnológicos, la demanda creció a tal medida que los precios se mantuvieron accesibles para la mayoría de la población. Lo anterior hizo posible que frente a la pandemia por Covid- 19, la educación básica migrara completamente a la modalidad virtual. Imaginemos qué habría pasado si la pandemia que se presenta desde el 2020, hubiera tenido lugar 20 años atrás. Tendríamos un panorama tan poco favorable, que se habría reflejado en un rezago significativo en la educación.

Escuelas de música online, ¿oportunidad?

Dada la naturaleza de la música, estudiarla en línea podría enfrentarnos a diversas complicaciones. Cuando hablamos de escuelas de música online, es importante destacar que nos referimos a una oferta educativa que involucra todas las materias que tengan alguna alguna posible relación con con la música. Las materias de teoría, pedagogía, armonía, historia, apreciación y tecnología musical, podrían desenvolverse sin problemas y hasta de manera favorable en línea.

marketing y música.

La situación es muy distinta cuando hablamos de clases de ejecución (instrumento, música de cámara, etc). Ahí encontramos limitantes en los diferentes pilares de lo que significa una clase de instrumento, como en la imagen, el sonido y el contacto físico. Dentro de la imagen podríamos sentirnos condicionados a la baja calidad derivada de las fallas del internet, el marco de visión y enfoque de las cámaras, ya que son muy reducidos. Otra de las desventajas con la imagen es la ralentización de los movimientos, por lo que las explicaciones podrían ser un poco confusas al no comprender en tiempo real, el ejemplo.

Aunque la imagen es uno de los pilares de las clases, en las escuelas de música online nos preocupa más el recurso del sonido.

Se escucha terrible y no es la falta de estudio ¿qué puedo hacer?

Cómo compartimos anteriormente, lo primordial a la hora de aprender sobre música es el sonido, para esto tenemos una serie de recomendaciones. Lo primero que debemos cuidar es situarnos en una zona donde, de ser posible, no se filtre el ruido de nuestra casa o sonidos externos a ella. También, habrá que elegir un lugar con poca reverberación o eco, para favorecer la captación de los sonidos. En lo personal, podría recomendar un espacio donde la tela sea abundante, tu recámara podría ser un buen escenario al “limpiar” el sonido a través de la alfombra, cortinas y ropa de cama.

En algunas aplicaciones, tenemos disponible “activar el sonido real”. Esta herramienta, puede ayudarnos a escuchar el sonido lo más fidedigno posible a la versión “en vivo”. También, si está dentro de tus posibilidades, podrías adquirir un micrófono que puedas ubicar cerca a tu instrumento. Si no es posible adquirir un micrófono pero tienes a tu alcance dos dispositivos (por ejemplo laptop y celular) puedes utilizar uno como micrófono y otro como cámara. Esto último te permitirá tener más soltura y fluidez al estudiar en una escuela de música online.

La oportunidad de estudiar en las escuelas de música online.

Estudiar a distancia ha permitido, sobre todo en los últimos dos años, que la educación continúe avanzando. En las escuelas de música online, además de permitir el progreso, abre un mundo de posibilidades a los estudiantes. Una de las mayores ventajas de las escuelas de música online, son el acceso al profesor(a) de tu preferencia. Anteriormente, he experimentado la necesidad de conocer y aprender de maestras y maestros que no radican en mi ciudad o país, y las clases en línea han sido la respuesta en esas situaciones. Teniendo la posibilidad de ser una estudiante foránea, he optado por la opción de la virtualidad para disminuir costos de traslado y hospedaje.

cursos de música online

Una ventaja de la virtualidad, es su apuesta por las herramientas novedosas que permiten la experimentación del alumno con la música en diferentes escenarios. El maestro cumple una función vital en la explotación de todos estos recursos virtuales. A la mayoría de ellos podríamos acceder compartiendo nuestra pantalla. Podemos hacer llegar a nuestros estudiantes videos, juegos, tests, o simplemente analizar sus propias ejecuciones con videos pregrabados.

 

Una modalidad virtual en ascenso.

Las escuelas de música online no deben verse de manera dicotómica, es decir, no todo es positivo o negativo en ellas. Sin embargo, debemos reconocer que el potencial de esta nueva herramienta es prometedor. Si queremos eficientar traslados, economizar tiempo y dinero y, sobre todo, estamos listos para una nueva forma de aprender, es una opción adecuada. Como maestros debemos ver la conveniencia de llegar a más personas desde nuestro hogar, de contar con más recursos de lectura, escritura y práctica para nuestros estudiantes. 

Además podemos agendar desde una clase en la escuela de música online, sin que el balance entre inversión (de tiempo y gastos) sea mayor que el ingreso económico recibido.

Sí, la educación virtual tiene defectos pero las clases presenciales también los tienen. Debemos enfocarnos en trabajar las deficiencias de la educación virtual para mejorar nuestra experiencia aprendiendo en las escuelas de música online.

 


Jocelyne Castellanos.

Violonchelista y creadora de contenido artístico y musical.

 

Foto de Ordenador creado por master1305 – FreePik.

Puedes emprender teniendo un podcast en una plataforma de streaming.

Tener un podcast en una plataforma de streaming.

Los podcasts, aunque existen desde hace años, se han puesto de moda entre los consumidores de plataformas de transmisión de audio en los últimos años. Es por esto que muchas empresas han decidido invertir en publicidad en los canales de podcast más escuchados, lo que permite obtener ganancias a los creadores de este tipo de contenido. Según un anuncio realizado por Voxnest, en 2021 la publicidad de podcasts aumentó más de un 65% respecto al año anterior y si hablamos a nivel mundial, solo el consumo de podcasts aumentó un 40% en las diferentes plataformas.

¿Cómo puedes empezar a crear un podcast?

          Tener un equipo

Mucha gente piensa que para crear este tipo de contenido hay que gastar en muchas de herramientas, pero para empezar todo lo que necesitas es un teléfono móvil con internet que te ayude a grabar la historia que quieres contar.

Con el paso del tiempo, si quieres dedicarte a realizar podcasts, puedes hacer una inversión y poco a poco ir comprando herramientas como un ordenador, una interfaz de audio externa, un micrófono, etc.

          Pensar en el contenido

Es muy importante que puedas definir los diferentes temas con anticipación porque luego puedes construir la estrategia de marketing para atraer más audiencia a tu canal. Te recomendamos que centres el tema de tu canal en algo que ya hayas experimentado y en lo que puedas crecer. Recuerda siempre que sin un buen contenido no podrás mantener a tus oyentes.

          Elige la plataforma

Actualmente encontrarás muchas plataformas de streaming de audio que ofrecen podcasts, algunas son: SoundCloud, YouTube, Pandora Premium, Google Play Music, entre otras, pero las dos más utilizadas son Apple y Spotify. Ambas son muy buenas, pero la elección dependerá del análisis de la más adecuada para ti en cuanto a pago, el tiempo que tardan estas plataformas en publicar tu podcast, los gustos que tienen los usuarios de cada una, entre otros aspectos.

          Tener un espacio

No es necesario tener un espacio especial para grabar, pero es importante poder grabar en un área donde te sientas tranquilo, cómodo y libre de interrupciones de ruido.

Conclusión.

Si ves, no son muchos los requisitos para comenzar tu primer podcast. Algo que con perseverancia y constancia podrás convertir en un ingreso extra para potencializar tu estrategia de contenidos.

Te invito a leer.  “Marketing y música. Una conexión sensorial comunicativa”

Las escuelas de piano como una evidencia histórica de la evolución del instrumento.

Las escuelas de piano. Una evidencia histórica.

Las escuelas de piano han sido directamente afectadas por la evolución del instrumento. Aunque no es el único determinante, el desarrollo del piano y en general de los instrumentos de teclado, han diversificado la técnica para tocarlos. Es así como sabemos que, por ejemplo, una composición escrita por Bach, no sonará (o no debería) sonar igual a una escrita por Mozart. 

La búsqueda de nuevas sonoridades y recursos musicales, desembocó en la creación y adaptación de nuevos mecanismos. A su vez, estos mecanismos permitieron la exploración de muchas más ideas musicales que para las que fueron pensados inicialmente. El piano originalmente conocido como Clavicembalo col et piano e forte (Clave con piano y forte), tuvo su origen en Florencia, Italia cerca de 1709. De las manos de Bartolomeo Cristofori, tuvimos el primer instrumento que reemplazaba con martillos los plectros del clave. Además, mediante un nuevo mecanismo, permitía al ejecutante sólo con el tacto modificar la intensidad del sonido. 

Con el desarrollo de un nuevo instrumento, todas las posibilidades conocidas hasta entonces, se habían ampliado exponencialmente. Así que, además de las temporalidades y los periodos musicales, las escuelas de piano sufrieron los cambios del instrumento, afectando su técnica, forma de comprender y ejecutar la música en la historia. 

Fueron necesarios bastantes años para que el invento de Cristofori se expandiera por toda Europa. De su prueba piloto -que duraría dos años-, se hizo una extensa descripción en uno de los medios impresos más importantes de Italia, el Giornale dei letterati d’Italia. Gottfried Silbermann tuvo acceso a esta información cuando, en 1725, fue posible su traducción al alemán. 

Los dedos ágiles no construyen pianistas.  

Unos años después, cerca de 1730, Gottfried Silbermann fabricaba pianos en Alemania, y gracias a él, Bach pudo conocer este nuevo instrumento alrededor de 1736.

Las críticas de Bach recayeron sobre la rigidez del mecanismo y la debilidad de los agudos, sin embargo, el compositor del Clave Bien Temperado, reconoció que el “tono” de este instrumento era agradable. 

Con unas pequeñas modificaciones tomando en cuenta las observaciones de Johann Sebastian Bach, Silbermann obtuvo la aprobación de este unos años más tarde. Pero, es de cuestionarse si era tan importante la aprobación de Bach. La maestría del compositor en otros instrumentos de teclado es innegable; sin embargo, ¿de qué servía tal maestría si no se permitía tocar el piano como un instrumento nuevo, sino como un clave u órgano más?  Habría sido imposible avanzar en la escuela de piano  si lo concebíamos, solamente, una variante a los instrumentos de tecla ya existentes.

A diferencia de Johann Sebastian, su hijo Carl Philipp Emmanuel Bach, pudo marcar un precedente en la ejecución del piano. Aunque su calidad en ejecución de cualquier instrumento de teclado no alcanzaba la de su padre, su expresividad, lo superaba. El aporte de C. P. E. Bach quedó conservado en su Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen (Ensayo sobre el verdadero arte de la ejecución en instrumentos de teclado). El libro se convirtió en uno de los más importantes para la escuela de piano, pues trata sobre temas técnicos, teóricos y musicales. Clementi agregaría más tarde sobre el Versuch, “Todo lo que sé de digitación y del nuevo estilo, en resumen, todo lo que sé del pianoforte, lo aprendí en este libro”.

Morirse de risa con Mozart; la escuela de piano propuesta por el prodigio austriaco. 

Nacido el 27 de enero de 1756, en Salzburgo, Austria, Mozart es aquel prodigio del que casi todos hemos escuchado hablar. Wolfgang Amadeus Mozart fue músico en toda la extensión de la palabra; como ejecutante (en el clavicordio, piano o violín), como compositor y posteriormente director. 

Mozart tuvo su primer contacto con la música al escuchar a Maria Anna Mozart, su hermana, estudiar sus lecciones de clave. Las primeras lecciones impartidas al genio, estuvieron a cargo de su padre, el compositor, profesor y violinista, Leopold Mozart. Giras en su infancia, desempleo en su juventud, derroche económico en su adultez y una muerte solitaria y pobre es la historia más conocida del genio, pero, ¿qué pasa con sus aportes en la escuela de piano?

La escuela de piano clásica.

Sin las cartas de Mozart habría sido muy complicado trazar su línea biográfica. Hoy sabemos algunas de las ideas sociales del compositor, los momentos más difíciles de su vida, entre otras cosas. La escuela de piano que el compositor definió para la posteridad también quedó plasmada en sus cartas. En dichas cartas, el compositor tenía una expresión constante “morirse de risa” , con la que se refería a todas aquellas cosas que le causaban mucha gracia. 

 De entre sus cartas, resaltamos una en la que narra cómo tocó la considerada prodigio Maria Anna Stein, hija del constructor de pianos Johann Andreas Stein. En una crítica que se convierte casi en burla, el compositor narra cada detalle de la ejecución de Maria Anna. Mozart casi se” muere de risa” cuando vio que la pianista se sentaba más cargada hacia la derecha del piano, en vez de al centro. También, advierte que Maria Anna diferenciaba los pasajes que eran iguales, a través de la velocidad. Es una carta extensa que, si el compositor tenía congruencia entre sus acciones y palabras, nos permite conocer su estilo como ejecutante. 

El periodo clásico se distinguió con los ejecutantes sentados al centro del teclado, sin expresiones exageradas. Los pasajes iguales o similares no sufrían ninguna alteración en la agógica. La muñeca ligera, los dedos en contacto con las teclas y los brazos en la misma altura (es decir sin levantarse) fueron la escuela de piano ideal en el periodo clásico.

Al igual que en otros instrumentos las escuelas de piano han ido cambiando como el instrumento mismo. Además, el “gusto” de los intérpretes de la época, la función de la música en la sociedad y la facilidad económica de algunos, limitaba o permitía la evolución de la técnica pianística. Los grandes del teclado, no fueron los grandes de todos los teclados, solo lo fueron de los que, afortunada o desafortunadamente, estuvieron a su alcance en su época. 


Por Jocelyne Castellanos.

Violoncellista y creadora de contenido.

¡Conoce la escuela de piano que tenemos para ti en la Academia de Formación Artística Música Proyecta!

 Bibliografía.

Schonberg, Harold C. Los grandes pianistas (Buenos Aires, Argentina: Javier Vergara Editor S. A. , 1990).

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Cómo vivir de la música: Marketing 2.

Cómo vivir de la música mediante el marketing musical.

En este artículo, vamos a repasar cómo los artistas pueden construir una estrategia de marketing musical efectiva, ya hablamos anteriormente en esta publicación de blog. Si bien el mundo online en rápido movimiento y los contextos globales cambiantes como la pandemia Covid-19 pueden parecer que limitan la promoción musical, los artistas están encontrando formas de impulsar su contenido, marca y música para llegar a una audiencia más amplia en 2022.

Para aquellos a los que les encantaría ganarse la vida con la música, un buen punto de partida es el marketing musical. Para muchos artistas, la noción de marketing los llena de pavor. Piensan que implicará engañar a su audiencia o comunidad sobre su talento, dedicación o producto. Sin embargo, como explicamos antes, esto está lejos de la verdad. Una sólida estrategia de marketing musical es una forma fantástica de aumentar la exposición y atraer nuevos fans.

Siga leyendo para conocer algunas de las estrategias de marketing musical online que le sugerimos que implemente.

Anteriormente, hablamos de los las 4 Ps (Producto, Precio, Plaza y Promoción). En este artículo, nos centraremos en cómo utilizar mejor las estrategias en línea para promover nuestra música, especialmente porque la situación global actual significa que es probable que los conciertos físicos sufran cancelaciones de última hora o restricciones que limitarán la cantidad de personas a las que puedes llegar.

Use bien las redes sociales.

Todos sabemos que las redes sociales son una herramienta de marketing muy exitosa para marcas y empresas. Y puede tener el mismo éxito para un músico en ciernes, siempre que se utilice bien. Para un músico, las redes sociales se utilizan mejor como una forma de comunicarse con su base de fans, en lugar de como una herramienta meramente promocional. Debe intentar utilizar sus plataformas de redes sociales en gran medida para iniciar conversaciones, mostrar su personalidad, comentar y compartir contenido interesante. Intente limitar su contenido puramente promocional a alrededor del 20% de lo que publica. Pero incluso las publicaciones que no son estrictamente promocionales pueden contribuir a su estrategia de marketing. Un video de su sesión de estudio de grabación o una fotografía de su último borrador de letra puede inspirar a sus fanáticos a conectarse más con usted como artista e individuo.

Determine su base de fans.

Tan importante como la forma en que use sus redes sociales es con quién se está comunicando. Seguramente ya ha perfeccionado su estilo y enfoque musical, por lo que ahora necesita que las personas adecuadas lo escuchen. Eche un vistazo a cómo otros músicos similares usan hashtags y comentarios para llegar a su base de fans. Incluso puede usar mensajes privados o comentar publicaciones para alentar a estos fanáticos de la música que ya están comprometidos a visitar su perfil o sitio web.

Vale la pena señalar que los usuarios de las redes sociales a menudo se sienten atraídos no solo por el contenido que comparte, sino también por la cantidad de personas que interactúan con él. Intente dedicar algo de tiempo a responder comentarios o etiquetar publicaciones para generar más participación. Los nuevos fans curiosos verán que muchos otros usuarios de las redes sociales están comprometidos con su contenido y esto los alentará a seguir regresando. También puedes conseguir una mano amiga de empresas que le ayuden a potenciar tus redes sociales y, por tanto, a atraer aún más seguidores y oyentes.

Sé Auténtico.

Una vez que haya comenzado a hacer crecer su base de fans en las redes sociales o el sitio web, la parte difícil es mantenerla. La autenticidad es lo más importante aquí. Considere cómo puede construir un sentido de comunidad, ya sea a través de una lista de correo regular, comentarios y concursos en las redes sociales o simplemente apareciendo en la mesa de productos después de un concierto. Sus fans aman su música pero también están muy interesados ​​en usted. Trate de encontrar formas manejables de estar en contacto con ellos. Los músicos que son tan auténticos con sus fans como lo son a través de su música tienen muchas más probabilidades de mantener una comunidad sólida.

Alcanzar sus objetivos.

Si bien es cierto que su sitio web y sus cuentas de redes sociales pueden ayudarlo a realizar gran parte de su trabajo de marketing (¡además de sus fantásticos shows en vivo!), También debe considerar formas de comunicarse con otras plataformas para promover su música, como listas de reproducción, blogs, podcasts y emisoras de radio. Quiere que su música se escuche en tantos lugares como sea posible, y a la mayoría de los blogueros o podcasters cuyo contenido se centra en la música les encanta ser los que “descubran” el talento emergente. Intente echar un vistazo a algunos blogs, podcasts o emisoras de radio que crea que encajan con su estilo y póngase en contacto con ellos. ¡Y asegúrese de usar nuestras redes sociales para mostrarle a su comunidad online dónde se ha presentado su música!

Estas son algunas de las formas en las que puede considerar el uso de técnicas de marketing online para su música. Aunque puede llevar un poco de tiempo encontrar inicialmente su comunidad musical, seguramente están allí y esperando escuchar lo que tiene para ofrecer. Entonces es solo un caso de mantener una presencia online auténtica, impulsar su comunidad en línea e interactuar con sus fanáticos, especialmente cuando los shows en vivo son tan inciertos durante la situación actual. Pruebe estas estrategias de marketing musical y observe cómo crece su base de fans.

Foto de Música creado por senivpetro – www.freepik.es

Marketing y música, una conexión sensorial comunicativa.

marketing y música.

 

“La razón guía, pero las emociones deciden.” Tim Pethick, experto en marketing.

Para comenzar, piensa en la melodía de los siguientes jingles publicitarios y ayúdame a completar la frase: “Farmacias Guadalajara, tu…”, “Póngale lo sabroso…”, “Genoprazol, para…” “EA Sports…” “Con XL3, adiós a la gripe en…” “En Farmacias del Ahorro, …”. No fue tan difícil, ¿verdad? Estos spots y muchos otros más han venido a formar parte de nuestra cultura popular; tanto, que hay veces que no podemos quitarnos de la cabeza esa melodía que está en boca de todos. Adicionalmente, poco a poco, y sin darnos cuenta hemos estado reforzando una marca que asociamos con una emoción positiva y agradable. El marketing y la música forman parte de una estrategia sensorial que nos invita a vender mediante experiencias creativas y comunicativas, donde nuestros sentidos son los principales receptores.

A grueso modo, el marketing sensorial son todas aquellas estrategias cuyo propósito es influir sobre nuestras emociones y nuestra conducta en el momento de realizar una compra. De esta forma, las emociones y experiencias generadas están muy relacionadas a lo que ofrece la marca y su producto. En otras palabras, las empresas se centran en venderle a nuestros 5 sentidos: vista, olfato, oído, gusto y tacto, dependiendo de su giro comercial.

En este sentido, la música cumple un papel fundamental en el marketing. El marketing como la música son elementos que trabajan en despertar emociones a nivel cerebral para de esta forma influir en la toma de decisiones de un consumidor y en sus deseos de compra. Desde el punto de vista del marketing sensorial la importancia del sonido se centra en establecer una conexión con el consumidor que facilite la representación de la marca en su mente, así como la creación de asociaciones que activen directamente emociones, sentimientos y experiencias.

¿Cómo se comporta nuestro cerebro con el marketing y la música? 

De acuerdo con Barry Goldstein, reconocido compositor e investigador, en su artículo menciona que los efectos de la música repercuten nuestro cerebro en cuatro puntos:

  1. Emociones: la música estimula emociones específicas a través de circuitos cerebrales.
  2. Memoria: la música evoca nuestras experiencias sensoriales pasadas.
  3. Aprendizaje: la habilidad del cerebro para establecer nuevas conexiones neuronales puede ser impulsada por la música.
  4. Atención: la música activa, desarrolla e impulsa la atención en nuestro cerebro.

Si usamos a nuestro favor los puntos anteriores para generar una estrategia de marketing estaríamos guiando a nuestros posibles consumidores a despertar la emoción que genera nuestro producto o servicio. Los estaremos invitando a reforzar nuestra marca mediante los sonidos y a vivir una y otra vez la experiencia que el producto o servicio genera en nosotros. Tener una identidad sonora puede ser clave para el éxito de un marca.

Desde la perspectiva científica, de acuerdo con un artículo de la CBC la música es un elemento que libera dopamina y endorfinas en nuestro cerebro. Un neurotransmisor relacionado con la motivación y el deseo, mismo que hace que repitamos conductas agradables que contribuyen a nuestra felicidad, optimismo y creatividad. Estos últimos elementos, asociados a nuestro producto de forma musical pueden repercutir positivamente en los resultados de nuestra campaña de marketing.

¡No puedo quitarme esa melodía de la cabeza!

Aún cuando detestamos una canción, hay veces que no la podemos sacar de nuestra cabeza. Esto pasa más a menudo con las melodías de algunos anuncios. Según un artículo de la redacción de NatGeo, la respuesta se encuentra en la llamada corteza auditiva del cerebro, porque nuestro “órgano pensante” intenta ordenar toda la información recibida. Dice también, que nuestro cerebro interpreta que faltan fragmentos de la melodía incompletos, y que mediante la repetición constante es la manera de llenar esos espacios y las partes que hacen falta.

En el juego de la publicidad es una herramienta estratégica, porque de esta forma una marca específica trata de crear un vínculo mediante la repetición constante de aquello que te están tratando de vender.

Si te interesa seguir leyendo más sobre cómo la música repercute positivamente en nuestro cerebro, e impacta todas las demás áreas de nuestra vida,  te invito a leer el siguiente artículo: “La importancia de la música en la educación infantil”. 

El propósito de la música en el marketing digital.

De acuerdo con Laura Bahí Cofundadora de Oink My God: Agencia de Marketing Online. Los objetivos del marketing sensorial son los siguientes:

  • Atraer y fidelizar a clientes potenciales mediante la creación de un ambiente sensorial agradable que haga que el cliente repita constantemente la experiencia
  • Crear una identidad de marca mediante el desarrollo de una personalidad propia.
  • Humanizar una marca que genere empatía con sus consumidores.
  • Poner en valor los productos con su experiencia positiva que genera en el consumidor.
  • Ofrecer una experiencia única: Hacer que la compra de un producto o servicio sea una experiencia agradable.

Campañas exitosas de marketing sensorial con música. 

  • De acuerdo con Harvard Business Review, Dunkin’ Donuts  una campaña donde cada vez que sonaba un jingle en el transporte público, un atomizador liberaba un aroma de café. Por esta estrategia la compañía incrementó un 16% el número de visitas a sus locales, e incrementó las ventas un 29%

 

  • Otro caso es McDonald’s, que para su campaña “Momentos de alegría” realizada en varias ciudades del mundo se utilizó el jingle “I’m lovin’ it”

 

  • Dentro de las tiendas de ropa, Abercrombie & Fitch por utilizar un tipo de música que ayuda a incentivar la compra de sus consumidores.

Conclusión.

Todo en este mundo se comunica a través de  distintos niveles de percepción. Cuando abrimos una empresa con el motivo de vender nuestro producto o servicio muchas veces no nos damos cuenta que lo que menos importa es el producto en sí. Lo que en verdad importa es vender la emoción al consumidor, vender una experiencia única. En este sentido, verdaderamente la música puede ser nuestro mejor aliado para llegarle al centro emocional de las personas y crear una campaña de marketing que pueda crear una identidad de marca de experiencias únicas.

Cuéntanos..

¿Qué estrategia de marketing puede ser más relevante para tu negocio? Nosotros te ayudamos.


Por Ernesto Tonatiuh

Director de la Academia de Formación Artística Música Proyecta.

 

¡No solo en clases se aprende! Te comparto estos recursos sobre cómo se toca el piano.

¡Conoce cómo se toca el piano con nuevos recursos!

La evolución de la pedagogía: cómo se toca el piano en la actualidad.

En la actualidad, las maneras de enseñar una materia son tan diversas que aprender sobre cómo tocar el piano no solo depende de tomar clases. Si tienes como meta aprender a tocar el piano, debes saber que sumar recursos a tus clases de música habituales te facilitará y enriquecerá el camino. La pedagogía musical se ha visto favorecida por los aportes de grandes pedagogos e instrumentistas que tenían como objetivo transmitir de manera más sencilla sus conocimientos. Además de los aportes de estas eminencias musicales, la tecnología ha acogido el aprendizaje en general incluyendo el musical.

Los pensamientos y aportes de los músicos de épocas anteriores a la nuestra quedaron, en su mayoría, plasmados en libros autobiográficos o ensayos sobre la técnica, teoría y repertorio musical. Sin avances tecnológicos que lo sostuvieran, por ejemplo, la imprenta y los transportes, la difusión de dichas ideas era si no imposible, al menos complicada. Además, el alcance que tenían los artistas dependía de su fama, fortuna, posición y en ocasiones de sus contactos. Lo anterior, limitó de cierta forma cualquier tipo de avance pedagógico.

Actualmente, tenemos muchas opciones para desarrollarnos de manera técnica y musical; sin embargo, para poder hacerlo debemos conocerlas y saber cómo acercarnos a ellas. Por eso, aunque no haya una técnica absoluta (y aunque nunca la haya habido) para saber cómo tocar el piano en la actualidad, debemos acercarnos a todos los recursos existentes. Sin importar si son de naturaleza visual, auditiva, audiovisual, física, en línea o en vivo, los recursos pedagógicos a nuestro alcance pueden complementar nuestro aprendizaje sobre cómo tocar el piano.

Cómo tocar el piano en la era digital.

Como ya vimos, la tecnología ha revolucionado la manera de aprender; antes era inimaginable pensar en cursar un posgrado en línea o poder adquirir un libro nuevo en minutos. La tecnología no dejó a la música de lado, facilitando su análisis y práctica. Para aprender cómo tocar el piano, es necesario nutrirse con interpretaciones de distintos ejecutantes. En años anteriores, asistir a un concierto resultaba sumamente costoso. Pocos solistas eran los que se aventuraban a hacer una gira por varias ciudades en cada país. Así que, si queríamos asistir a un concierto, al costo de entrada debíamos sumar gastos de traslado, hospedaje y alimentación. 

Hoy en día existen diversas plataformas digitales que facilitan el contacto con grandes músicos. Algunas de las escuelas mejor posicionadas mundialmente, cuentan con canales de acceso gratuito en la plataforma de Youtube. En los canales de grandes escuelas de música como el Royal College of Music, el Mozarteum o la Juilliard School, puedes disfrutar de masterclasses de András Schiff o Alfred Bendel, de forma totalmente gratuita. Observar a otras personas aprender cómo tocar el piano, puede ayudarte a entender de mejor manera tu repertorio.

Existen otras plataformas digitales por las que debes pagar una membresía que te dará acceso a miles de recursos musicales, tales como conciertos, masterclasses, entrevistas, etc. Dos de las plataformas más famosas de alta calidad, son la página oficial de la Orquesta Filarmónica de Berlín Berliner Philharmoniker Digital Concert Hally la página Medici. En ambas existen diversas formas de pago y tarjetas de regalo, con membresía anual tendrás miles de recursos a un solo click de distancia.

Cómo se toca el piano desde un enfoque literario.

No es de sorprenderse que los libros en el área de aprendizaje sigan siendo considerados objeto de valía y grandes aportes. Leer puede enseñarnos desde las palabras de otro, cómo se toca el piano según su experiencia, formación y objetivo. Puede atraernos en su prosa hacia la práctica de uno u otro periodo musical o invitarnos a desarrollarnos en otros ámbitos musicales.

De igual forma que la teoría y como ya habíamos visto anteriormente, bastantes autobiografías o biografías han llegado hasta nosotros en este formato.

Una de las biografías que es -para mi gusto- de las más enriquecedoras es la del director, pianista y compositor estadounidense Leonard Bernstein. Dicho libro, de nombre “Leonard Bernstein: La biografía” de la escritora Joan Peyser y de la editorial Javier Vergara, nos comprueba el valor de la historia en la música. Además, nos acerca de tal forma al protagonista que nos permite saber qué pensaba de la pedagogía, de la gestión cultural, habla de cómo se toca el piano y del significado de la música.

Para adquirir el libro, te invito a seguir el siguiente enlace: Bernstein: A Biography

Además de las biografías, encontramos libros teóricos que de igual forma nos enseñan sobre cómo se toca el piano. En este caso, tenemos “The Art of Piano Pedaling”  con ejemplos de la increíble pianista, cantante y compositora venezolana Teresa Carreño y por el mundialmente reconocido Anton Rubinstein. Como su nombre lo indica, la mitad de este libro es una guía para el uso correcto del pedal.  La segunda parte, escrita por Teresa Carreño, habla sobre todas las posibilidades del pedal para hacer colores. Toda la información contenida en éste libro, seguramente te ayudará a entender de mejor manera cómo se toca el piano.

Cómo se toca el piano según la historia de la música. 

Aunque la técnica de los grandes pianistas podría entenderse como perfecta, varía demasiado entre un pianista y otro. Esto deja una laguna dentro de la rigidez académica con la que se suele enseñar. Aunque no pretende solucionar esta problemática, el libro del musicólogo y pianista “Historia de la Técnica pianística” habla al respecto. Chiantore defiende que “cualquier interpretación es válida, siempre y cuando refleje un enfoque estético preciso”. El tema central  trata del análisis de la técnica de los compositores en su época. Además de ayudarnos a comprender de mejor manera cómo se toca el piano actualmente y por qué, nos demuestra la importancia de la historia de la música en la ejecución. Por ejemplo, es diferente cómo se toca el piano en una obra de Mozart y una de Beethoven.

Para obtener este eminente libro, te invito a dar clic en el siguiente enlace: Historia de la tecnica pianistica / History of the Pianistic Technique: Un estudio sobre los grandes compositores y el arte de la interpretacion en … about Big Composers and the Art of Interp

En conclusión, el artículo de hoy pretende enfatizar sobre la importancia de una educación integral en la música. Para aprender cómo se toca el piano, es imprescindible tener una educación integral que contemple, además de las clases, otros recursos complementarios.


Por Jocelyne Castellanos.

Violoncellista y creadora de contenidos artísticos y culturales para la Academia de Formación Artística Música Proyecta.

Te invitamos a experimentar sobre cómo se toca el piano de una manera integral. Conoce a nuestros maestros profesionales que te llevarán de la mano a vivir una experiencia creativa en el piano. 

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¿Buscas las mejores clases de piano en Guadalajara? Este blog es para ti

Las mejores clases de piano en Guadalajara

Las clases de piano en Guadalajara abundan, entonces ¿Cómo sé en cuál inscribirme?

Es común que las familias tapatías se interesen en el aprendizaje de un instrumento musical por los beneficios que esta actividad ofrece. Aunque abundan las academias de música, la mejor opción para cada familia depende de diversos factores. Antes de elegir dónde tomar clases de piano en Guadalajara analicemos cuales son los factores a considerar.

Aspectos como la ubicación de la academia, el instrumento elegido, la economía familiar, la modalidad que necesites, entre otros, podrían ayudarte a elegir dónde tomar clases. Sin embargo, aunque estos factores son importantes a la hora de elegir tu escuela de música, es importante mencionar que no son prioritarios. Lo más importante es tu aprendizaje, por lo que deberás elegir la academia de música que, en una combinación de posibilidades, te ofrezca a los maestros mejor capacitados y la escuela con mayor desarrollo en el ámbito profesional.  En este artículo te ayudaremos a encontrar la opción que más se acomode a ti y a tu familia para tomar clases de piano en Guadalajara.

Sabemos que uno de los instrumentos más solicitados en las academias de música (además del violín y la guitarra) es el piano. Como la demanda es alta, la oferta ha respondido con decenas de academias que ofrecen clases de piano en Guadalajara y municipios colindantes. Entre tantas opciones, elegir de forma acertada se vuelve una tarea complicada, porque, hay que decirlo, que haya cantidad no significa que todas las escuelas tengan calidad.

¡Vive la experiencia de las clases de piano en Guadalajara que la Academia Música Proyecta tiene para ti! Con una metodología de enseñanza ideal para cada nivel de aprendizaje. ¡Contáctanos!

Primeras investigaciones sobre clases de piano en Guadalajara

La tecnología ha venido a facilitarnos muchas cosas de la vida diaria y una de ellas es la investigación y el acercamiento con los negocios locales. Puedes conocer el panorama general de una escuela de música sin visitarla a través de su página oficial, web, redes sociales y canales streaming. Puedes saber la periodicidad de sus recitales, su enfoque, misión, visión, los géneros musicales con los que trabajan, cuerpo académico, ubicación, e incluso el estado de las instalaciones.

Aunque las redes sociales de una escuela no son de vital importancia en el desarrollo de las clases de música, que una academia  no cuente con este recurso, podría decirnos mucho. En mi opinión, si los alumnos no están teniendo proyección y reconocimiento desde el centro de su aprendizaje, ¿en dónde sí lo van a tener?

La investigación más importante a considerar es la del cuerpo académico de la institución. Es importante observar desde directores, coordinadores académicos y hasta quién o quiénes serían tus maestros. ¿Cuál es su formación? ¿Son ejecutantes, pedagogos, gestores culturales? ¿Cuentan con alguna especialización en temas de tu interés? Además de dar clases ¿en cuáles otros ámbitos musicales se desarrollan?

El lugar donde recibes las clases sí importa.

Quizá te parezcan demasiados factores a considerar y sí, aunque unos son más importantes que otros, todos pueden aportar o restar a tu aprendizaje musical. Uno de los aspectos que comúnmente  nadie se detiene a analizar, es la locación de la escuela, es decir su espacio.

Además de los servicios básicos habituales, como luz o agua potable, una academia de música debe contar con acondicionamiento especial. Espacios adecuados para cada clase, materiales, pintarrones acondicionados con pauta, aislamiento sonoro ( sobre todo si el espacio es de techos altos o muy pequeño), atriles, espejos, etc.

Las clases de piano en Guadalajara y en cualquier otro lugar, deben impartirse con particular atención a diferencia de los instrumentos portables. Es decir: en el caso de las clases de violín, guitarra, violonchelo u otros, el estudiante se compromete a tener un instrumento propio en buenas condiciones para el óptimo aprendizaje. Es diferente con los instrumentos que son difíciles  de transportar cada sesión. Un ejemplo de éstos podrían ser las percusiones o el instrumento principal de éste artículo: el piano.

En este caso, la academia se compromete contigo a brindarte un instrumento de calidad y en buenas condiciones para tus sesiones.

En pocas palabras la escuela de música que elijas para tomar clases de piano en Guadalajara deberá cumplir con la mayoría de los siguientes puntos:

  • Personal docente capacitado para tu formación
  • Instalaciones con servicios básicos
  • Formalidad en la agenda para los alumnos
  • Instalaciones con mobiliario básico (sillas, atriles, espejos)
  • Instrumentos en condiciones óptimas para tu desarrollo
  • Proyección de los alumnos a través de recitales
  • Redes sociales o página web.
  • Una metodología de enseñanza de base original y creativa.

Las academias a las que definitivamente debes darles el “¡sí!” para aprender música.

Cuando una academia hace más de lo necesario por sus estudiantes, es inevitable hacerse notar. Una de las actitudes del profesorado que podría ser tomada como un plus, es que sean músicos integrales. Es decir, puede que te estén dando clases de piano pero a la vez te motivan a investigar el contexto histórico, a hacer un análisis de la obra, a escuchar muchas interpretaciones. Esto además de enriquecer tu proceso como músico, destacará notablemente tus ejecuciones, por más sencillas que sean las piezas.

Por otro lado, las academias que ofrecen distintas modalidades, sobre todo en estos tiempos de pandemia, podrían facilitarte mucho las cosas. Además una academia que aporta conocimiento a través de un sitio web, habla sobre su compromiso con la comunidad musical. También, la orientación que encuentres en tus maestros o coordinadores para comprar tu instrumento o materiales, es una señal más de formalidad en su trabajo.

¡Pide hoy tu clase muestra de piano GRATIS! Y forma parte de nuestra comunidad de alumnos que están transformando sus vidas con la música.

Entre otros aspectos de cuantiosa valía, dentro de una academia de buena formación musical encontrarás recitales, clases maestras o abiertas, motivación para grabar tu repertorio, formación complementaria y personal abierto a escuchar tus metas, necesidades e intereses.

Como ya vimos en el artículo de hoy, no porque haya muchas escuelas de música quiere decir que todas ofrezcan la misma calidad. Por esto la investigación previa a tu inscripción en una clase de música se torna de vital importancia si eres principiante. Recuerda que hay muchas opciones de clases de piano en Guadalajara, pero mereces aprender con una de las mejores.


Por Jocelyne Castellanos.

Violoncellista y creadora de contenidos artísticos.

¡Conoce la metodología de enseñanza que la Academia Música Proyecta trae para ti con las clases de piano! No dejes de vivir esta experiencia creativa que tus hijos nunca olvidarán.

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Las metodologías más utilizadas en las clases de música para niños.

Las clases de música para niños en la academia.

Es bien sabido que la música tiene múltiples beneficios para el desarrollo intelectual, psicomotor y emocional. Incluso, algunos estudios aseguran que la estimulación musical temprana favorecerá las conexiones neuronales, lo que inevitablemente impactará en todas las demás áreas cognitivas. Las clases de música para niños son la mejor opción para obtener los beneficios que la educación musical temprana puede brindarnos.

Tal vez, al tener su propio sistema de escritura y expresión, la música puede parecer compleja de enseñar. Sin embargo, las clases de música para niños, cuentan con diversas metodologías que facilitan al estudiante aprender este bello arte.

Kodaly, las clases de música para niños donde todos cantan.

Zoltan Kodaly, compositor, director de orquesta, musicólogo y pedagogo de origen húngaro creó un método para hacer cantar a todo el mundo. Desde su creación, hasta la actualidad es uno de los métodos más utilizados en las clases de música para niños. Una de las ideas principales de esta metodología es la inclusión de todos los participantes, sin tomar en cuenta si tienen habilidades musicales. Su método utiliza la voz como instrumento principal, así que no es de extrañarse que encontremos cantos a dos voces desde las primeras lecciones.

Una de las características más importantes que convierten a esta metodología como la ideal para las clases de música para niños, es que se puede adaptar a cualquier cultura. Kodaly considera que cualquier música que tenga una buena calidad, puede ser utilizada para el aprendizaje musical. Al ser música con la que los niños están familiarizados, logran fácilmente ejecutar los ejercicios.

Éste método utiliza diversas herramientas para enseñar música a los niños. Así, encontramos el recurso de la lectoescritura que es utilizada para tomar el ritmo de las sílabas y palabras. También la fonomímica, que con las manos y el cuerpo, representa la altura de los sonidos.

La importancia de las manos en las clases de música para niños del método Kodaly, es vital para el desarrollo de los aprendizajes y el cumplimiento de las metas. Encontramos, por ejemplo, que al no poseer un instrumento musical, las manos pueden convertirse en uno de percusión al palmear. También, podremos decir que no somos directores de orquesta, pero podemos entender la línea musical con nuestras manos y marcaremos el compás.

Aunque las clases de música son un buen entrenamiento, Kodaly sugiere la estimulación desde el periodo de gestación y la formación musical entre los tres y cuatro años de edad.

Las clases de música son toda una experiencia en la Rítmica-Dalcroze. 

Emile Jacques Dalcroze, nacido en Austria, fijó el desarrollo del oído interno como la meta principal de su metodología. El oído interno es para Dalcroze, la relación entre la mente y el cuerpo para el control de toda actividad musical.

El viaje a la música a través de la Rítmica- Dalcroze, es una experiencia física, corporal y espiritual. Por esto, al cabo de unas clases de música cursadas, podremos notar que áreas como la motricidad, la conciencia corporal, la memoria y otras, han sido favorecidas.

Estas clases de música para niños, trabajarán en “naturalizar” la música para los estudiantes, simplificando lo más posible, priorizando convertirla en una vivencia. Una vez interiorizada la información compleja, se da espacio a la lógica que intelectualiza lo aprendido.

Algunos de los aspectos generales que trata el método Rítmica-Dalcroze son la memorización, la audición interior, la velocidad, fraseo, improvisación y relajación.

Suzuki, el método japonés que cambió el mundo de las clases de música para niños.

El violinista japonés, Shinichi Suzuki, utilizó el aprendizaje de la lengua materna como el eje principal de su método para tocar un instrumento. Él argumentaba que, si todos los niños eran capaces de aprender su lengua materna, igualmente lo serían para aprender música. Por eso encontraremos en él aspectos del aprendizaje natural de un idioma tales como la repetición, imitación y la audición continua. Para favorecer el aprendizaje, Suzuki recomienda crear un entorno musicalmente estimulante e iniciar la educación musical a temprana edad.

Uno de los aspectos más relevantes del método, es involucrar a toda la comunidad escolar como un importante agente educativo. El triángulo Suzuki son los tres agentes más importantes en el proceso musical del niño. El maestro , quien deberá ser un excelente guía: con un nivel superior en la ejecución del instrumento y formación pedagógica. El niño, que se compromete a estudiar el instrumento con disciplina.Y los padres de familia quienes son el nexo entre la clase y el hogar. Ellos proveerán el estímulo musical adecuado y coordinarán la educación del niño con el profesor.

Este método, que originalmente fue escrito para violín, ha sido adaptado a varios instrumentos de viento y cuerda, logrando ya más de 50 años de éxitos. Cuenta con una certificación especializada por cada libro del método más un curso de filosofía. Al igual que Kodaly, Suzuki recomienda estimular tempranamente al niño, preferiblemente desde la gestación. Sin embargo, la formación para la ejecución de un instrumento, puede iniciar entre los dos y tres años de edad.

Suzuki es uno de los pocos métodos mundialmente reconocidos. El violinista le dio al mundo la visión de que tocar un instrumento era posible para todos, aunque no se formaran músicos profesionales, pues en sus propias palabras:

Formar mejores ciudadanos con la música.

“”Enseñar música no es mi principal propósito, quiero formar mejores ciudadanos.

Si los niños escuchan buena música desde su nacimiento y aprenden a tocar un instrumento, ellos desarrollan sensibilidad, disciplina y fortaleza.

Ellos desarrollarán un corazón hermoso” –Shinichi Suzuki

El acercamiento a la educación musical, puede, como ya mencioné, traer múltiples beneficios. En aspectos psicológicos podremos notar el aumento de confianza y autoestima. Los valores como el respeto y la responsabilidad se verán fortalecidos a través de la práctica continua. Y por último, los importantes aportes al desarrollo neurológico, al pensamiento lógico-matemático, lingüístico y psicomotor se harán presentes. Por eso, además de proveer un entorno musicalmente estimulante, el primer aspecto a atender si queremos obtener los múltiples beneficios de éste arte, son las clases de música para niños.


Por Jocelyne Castellanos,

Violoncellista y creadora de contenido de la Academia Música Proyecta. 

Bibliografía

Luz Emilia Segura Lozano, CARTILLA PARA LA INICIACIÓN DEL VIOLONCHELO UTILIZANDO LA VOZ CANTADA Y MELODÍAS DE MÚSICA POPULAR TRADICIONAL INFANTIL COMO ELEMENTO DE APOYO PEDAGÓGICO. (Bogotá: 2016).

Shinichi Suzuki, Educados con amor: El método clásico de la Educación del Talento. (Editorial Alfred music, 2004)

Laura Eugenia Orozco Ramos, Alegrías Musicales 1. (México: 2009)

 

Pasó de ser un extra a protagonista: la música en la historia del cine.

La música en la historia del cine.

¡Música para el público ruidoso!

A lo largo de la historia del cine, hemos presenciado una evolución constante que implica el uso y desarrollo de diferentes recursos. El estilo de la actuación, la definición de imagen, los guiones y el desarrollo de los géneros son algunos de éstos. De igual forma, hemos sido testigos de lo prolífico que resulta el séptimo arte para el encuentro de las Bellas Artes. La fotografía y la literatura son los primeros grandes componentes del séptimo arte que pudimos reconocer en la historia del cine pero, ¿qué pasa con la música?

La historia del cine lo ha dejado claro: la música no fue un recurso vital para las producciones de la pantalla grande en sus inicios. Algunos historiadores, como Kurt London, proponen que la música solamente se utilizaba para reducir los sonidos que emanaban del proyector. Aunque esto sigue siendo motivo de debate entre musicólogos e historiadores, hay otras teorías que apoyan parcial o totalmente a London.

Según Michel Chion, compositor y crítico de cine francés, el público era una problemática mayor que el ruidoso proyector. En sus inicios, el cine no contaba con salas acondicionadas

para las proyecciones como las conocemos hoy en día. Más bien, el séptimo arte encontraba su sitio en lugares expuestos al ruido pues, la gente aplaudía, abucheaba y hasta comentaba conforme la película iba avanzando. Por otro lado, Chion señala que la música favorecía el enfoque y atención del público en la película, pues enfatizaba momentos importantes y creaba las atmósferas necesarias para cada escena.

El cine mudo ¡sí sonaba! Conoce su historia.

Como ya vimos, en la historia del cine se contempla la utilización de la música como   un remedio a las salas ruidosas en las que se proyectaban las películas. Sin embargo, otros historiadores sugieren que se aprovechaba esta situación para maximizar el efecto del cine sobre el público. Aunque no era una música formalmente escrita para la película, se trataba de acompañar la escena con melodías que fueran acordes a ella. No podíamos, por ejemplo, acompañar la escena de un asesinato con una pieza musical que resultara cómica o juguetona.

El músico encargado de acompañar la proyección de la película contaba con ciertos recursos para laborar. Uno de ellos era una recopilación de piezas (kinotecas) que evocaban estados de ánimo y sentimientos o que podían crear ciertas atmósferas, como las románticas o de guerra. También, las salas de proyecciones contaban con una banda musical de pocos elementos, fonógrafo o solamente un piano. Aunque en la historia del cine este arte quedó identificado como cine mudo en sus inicios, podemos concluir que el cine nunca fue en realidad, silencioso.

Nuestra vida no tiene banda sonora, ¿por qué la historia del cine sí?

La música da una segunda visión a la imagen, provocando un efecto parecido -como bien dice Conrado Xalabarder-, al de una ilusión óptica. No es lo mismo ver una imagen del mar en calma con música de carácter lento y melancólico, que con música armónicamente tensa y de tempo acelerado. Inmediatamente la segunda ejemplificación nos da el aviso de que “algo pasará”.

Debido a sus capacidades, algunos críticos cinematográficos y directores se han mostrado en desacuerdo con la aparición de la música en la historia del cine. Se la ha tachado de manipuladora, pues induce al público a emociones más fuertes de las que la imagen por sí sola podría provocar. Otro de los discursos de los directores de cine, era que tenían conflicto con que la música brotara de la nada, alegaban que así no era la vida real. Sin embargo, el cine obtuvo de la música herramientas inigualables e igualmente se deshizo de elementos innecesarios.

La música tiene la capacidad de situarnos en un periodo de tiempo determinado así como en ciertos lugares específicos. También puede presentarnos las emociones, presentimientos y perfiles psicológicos de los personajes. Es también capaz de reemplazar diálogos innecesarios y de maximizar las emociones. Tal vez todas éstas capacidades la hagan parecer, como algunos dicen, “manipuladora”. Pero, ¿tendría el cine el mismo efecto, profundidad e impacto sobre nosotros, sin la música presente? La historia del cine nos demuestra que no y que, muy lejos de desechar la música cinematográfica como recurso, se hicieron esfuerzos extra por sacar el máximo provecho.

Rescatar de las cenizas películas de producción mediocre a través de la música popular.

Luego de reconocerla como un elemento fuertemente favorecedor del séptimo arte, se trató de aprovechar al máximo los aportes de la música en el cine. Además de las kinotecas, y posterior a ellas, los músicos contaron con las “Cue sheets”. Estas, eran compilaciones de partituras que servían en específico para su aplicación a una película. El músico encargado de las proyecciones, tenía a la mano este material que se adaptaba a las herramientas musicales que tuviera al alcance (banda, piano, fonógrafo).

Posteriormente, se ideó escribir música original para las películas; aunque en sus inicios ésta música fue encargada a grandes maestros de la música académica, no resultó totalmente exitosa. Como bien dicen los historiadores, para que la música sea fructífera, el músico debe conocer bien el cine y el director debe ser consciente de las posibilidades que la música le ofrece. Algunos de los músicos más reconocidos que escribieron música para el cine fueron: Camile Saint-Saens, Dmitri Shostakovich, Ennio Morricone y Eric Satie.

Finalmente, los intereses cambiaron y en la década de los 70 ‘s la industria cinematográfica tenía el objetivo de hacer más con menos dinero. Fue entonces cuando se comenzaron a utilizar canciones de música popular con el objetivo de hacer las producciones más taquilleras. Éste recurso rescató varias películas hechas mediocremente de la ruina, pues la gente asistía sólo por escuchar la música. Cabe destacar que aunque aumentó el capital, esta década desencadenó una crisis compositiva para el cine.

La mayoría de las bellas artes, han tenido un impacto importante en la historia del cine. Pero tanta es la influencia de la música, que hoy en día es difícil imaginar emancipar el cine de ella. Con los elementos aquí descritos, podemos ver que la música, más allá de ser sólo una herramienta, es la co-protagonista del séptimo arte.


Por Jocelyne Castellanos.

Violoncellista y creadora de contenido.

 

Bibliografía.

  • Conrado Xalabarder, Música de cine, una ilusión óptica (Libros en Red: 2006)
  • María del Carmen Aragú “Las bandas sonoras a lo largo de la historia del cine”
  • Jaime Radigales, La música en el cine (Barcelona: UOC, 2008)
  • Michel Chion, La música en el cine (Paidós, 1997)

 

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